Chroniques disques/scènes

Véronique Sanson / 2011

2011-12-25T20:23:00.023+01:00

Nevers

17 décembre 2011

Ne pas aller à la dernière ?... Never say Nevers...
Deux heures de train Corail et nous y voilà, dans la nuit, le froid et la pluie... Vive les tournées d'été !

La salle, Maison de la Culture de Nevers et de la Nièvre, est inclinée, avec de l'espace sur les côtés (où quelques-uns iront s'asseoir) et, chauffée par Mika alias Migou alias Michaël Hernandez (qui a eu droit à un rappel), prête pour une nouvelle (youpi) mais dernière (snif) fête à Véro – du moins en ce qui concerne 2011.

Les premiers rangs se voient offrir des poignées de confettis. Des serpentins et des cœurs en papier vert circulent... Encore un (joli) coup des fidèles parmi les fidèles. D'ailleurs, on aperçoit l'une d'entre eux qui mime Véronique dansant sur Toutes les saisons pour indiquer sur quelle chanson il faudra les lancer...

La dernière de l'année, dans une "petite ville, pardon une énooooorme bourgade" (Véro dans le texte) comme Nevers n'a pas grand chose à voir avec un soir de captation dans une capitale, fût-elle belge : L'atmosphère ce soir est à la détente (mais pas au relâchement), aux blagounettes sur scène (mais pas au n'importe nawak). Véronique l'annonce d'emblée au micro : "Je voulais vous dire que ce soir c'est notre dernier concert de la saison, et qu'on est tous un petit peu tristes... mais... heureusement que vous êtes là finalement !".

Une grande partie du public semble découvrir le spectacle ce soir. La voix de Véronique est belle, malgré la fatigue d'une maladie de saison. Son énergie est au rendez-vous et certains morceaux se verront salués d'un véritable tonnerre d'applaudissements. L'enchaînement Drôle de vie / Si toutes les saisons n'aura jamais aussi bien fonctionné, rythmé par des applaudissements ininterrompus, et les quelques 40 ans qui séparent la création des deux titres voleront en éclat sous les jets de cotillons et serpentins.

Petit coup de folie après Vancouver pendant que défile sur l'écran fond de scène d'inhabituelles photos des techniciens : "Ceux qui veulent venir sur scène pour voir de ce côté-là, vous pouvez : il y a un un escalier, là !". Un volontaire, habitué du premier rang à chaque concert, ne se fait pas prier et grimpe les trois marches, bientôt suivi d'une vingtaine d'autres. Véronique improvise alors une hilarante présentation de trois ou quatre d'entre eux en leur attribuant des noms d'une loufoquerie toute sansonienne (Mlle Tapautour, Mr Georges Fourche), encourageant même le public - un comble ! - à prendre des photos, avant de virer tous ces intrus sans ménagement d'un "Maintenant il faut que je vous présente mes musiciens et vous êtes devant !'". Ah ah ah !

Comme dans une pièce de théâtre dans laquelle elle serait la Reine des Marlous, elle présente alors – et pour la dernière fois de l'année – ses merveilleux compagnons ("Je pourrais le dire de tous... Je ne vais pas vous dire : attendez, ce sont des minables !"). Et Le one-woman-show continue : elle fait mine de se cacher dans un coin de la scène ("Vous me dites si vous me voyez toujours !"), François Constantin la prend sous son bras et file en direction des coulisses, elle chante (deux fois) ce petit bout de chanson de Michel Berger en changeant la dernière phrase, le chef Dominique Bertram ordonne à chacun de faire 25 pompes... On a beau avoir vu et revu ce moment du spectacle, on ne s'en lasse pas... La joie de Véronique y est celle des enfants, pas très éloignée de celle dont parlent les écrits sacrés : celle qui n'a pas de raison.

La surprise, pour Véronique comme pour nous tous (sauf peut-être pour mon voisin qui en avait rêvé et même soufflé l'idée via facebook à un des musiciens l'après-midi même), vient avec l'arrivée des musiciens et techniciens sur scène, autour du piano, pour un Bahia d'anthologie. Belle émotion et ambiance potache garantie lorsqu'ils joignent le geste à la parole sur les caresse-moi... Egalement, l'occasion de reconnaître la nouvelle intro dans certains refrains de la chanson.

Peu de monde en coulisses. Les musiciens partent de bonne heure et la scène se démonte bientôt sous nos yeux. La réalisatrice du futur dvd fredonne Bahia dans les couloirs. Des techniciens viennent dire au revoir à Véronique dans sa loge et l'adorable vendeur de merchandising sera le dernier à en sortir, avec sous le bras la dédicace personnalisée d'une chanteuse pour laquelle il a adoré travailler.

Un souhait pour 2012, lancé à l'univers, aux anges et aux étoiles : qu'on offre à cette belle équipe d'autres scènes, d'autres théâtres, pour que le sourire de Véronique continue de rayonner...

Nevers, for ever, la vidéo, est ici.

Véronique Sanson / 2011

2011-12-13T21:19:00.026+01:00

Bruxelles

9 décembre 2011

Au départ, Bruxelles n'était pas une date envisagée. Mais il est des arguments finalement persuasifs ("c'est la captation, ce n'est qu'à 1 h 20 de Paris"...). Et puis, c'est une veille de pleine lune – et même d'éclipse lunaire. Allez, en piste pour le Cirque Royal !
Bien sûr, il n'est pas question ici de tout raconter par le menu : après tout, il y a un enjeu commercial (qui explique l'absence de photos et de vidéos) et même si ce blog est relativement confidentiel, l'idée est simplement de donner l'envie de se procurer le dvd dès sa sortie !

Bruxelles donc, dans un froid glacial... Le Palais Royal, la rue Royale... et enfin le Cirque Royal !
La salle, qu'on découvre ce soir, est belle et raisonnablement pleine si l'on considère la rude et néanmoins amicale concurrence du concert annuel de l'association Make-A-Wish présenté par Maurane, à Forest National le même soir avec, entre autres, Christophe Willem, Bénabar, Christophe Maé et Catherine Lara... De toute façon, les gradins tout là-haut on été prévus pour un spectacle qui se déroulerait au centre, sur la piste, occupée ce soir par un parterre de sièges bien remplis...

Le noir se fait peu à peu. Curieusement, pas d'annonce du type "Ne filmez pas ce soir, on s'en charge". On est installé juste derrière Alain Lonchampt (avec vue sur les retours écran), perspective idéale pour avoir une vision plus globale que d'habitude de ce qui se passe sur scène – et s'extasier à nouveau sur les magnifiques tableaux qu'il a créés.

La captation, ça fait peur bien sûr, mais Véronique est - on le sait - un phénomène hors norme, et quel phénomène ! Pas une extra-terrestre, non, mais bien une "terrestre extra" – comme elle l'a dit elle-même sur scène, à Argenteuil. Le premier titre, Je me fous de tout, est un défi comme elle les aime. La voilà qui entre dans l'arène, d'un pas assuré, d'une voix forte. Après tout, elle ne voit pas les quatre caméras (de l'avantage d'être myope…). On la sent pourtant subtilement consciente de ces regards numériques posés sur elle ; certes, elle ne jouera pas différemment, mais fera tout pour les rendre témoins de ce contact précieux qu'elle ne peut nouer qu'avec une énergie humaine. Ce soir, elle sera dans sa vérité, à l'aise comme dans son salon, mais avec une dimension supplémentaire, pas seulement due aux habits de lumière mais à ce charme qu'elle sait déployer l'air de rien, et qui justifie ce qu'elle qualifie elle-même de "prétention" (le fait de monter sur scène, de dire "venez me regarder"). On n'est jamais beau ou belle par hasard, mais bien pour quelqu'un.
Et ce soir, les regards sont nombreux, aimantés. Ceux de petits voyageurs, que l'amour lui a envoyés. Serrés contre la scène, bras tendus, ils se réchauffent à la chaleur de son sourire...

Le concert se déroulera magnifiquement : son impeccable (ah, la magie de ces vieux théâtres ronds !), public très réceptif ("Sont drôles ces Belges, qui crient Véronique, Véronique !", me lance ma voisine de derrière - ils se mettront à "Véro, Véro !" plus tard) et puis et surtout la chanteuse elle-même, entourée d'un groupe idéal à son bonheur d'être là (encore réhaussé ce soir par la présence de Jean-Jacques Evrard au violon, et Lionel Suarez au bandonéon). Bien sûr, on pourrait dire que la présentation des musiciens fut un peu longue, mais on ne la voit pas pour la première fois, et puis Véronique les a un peu présentés comme si c'était la dernière, en voulant vraiment leur rendre hommage, et d'ailleurs, faisant une digression sur l'album de Loïc Pontieux, elle a même lancé "Vous couperez au montage" !

En quelques mots, hauts faits et petits détails d'un soir :
La note d'intro de Je me suis tellement manquée doublée, suivie d'un silence égal au temps que prend le piano pour résonner, bel effet ★ L'intro de Si toutes les saisons doublée également, installant plus confortablement la chanson, démarrée comme d'habitude sur les chapeaux de roue, sans attendre de ramasser les lauriers de Drôle de vie ★ Doublé également ce soir le pont musical à l'intérieur de ce titre, ce qui permet aux cuivres et à Véronique de se promener tranquillement autour du piano ★ Eclat de rire sur Rien que de l'eau : Véro fait le tour de la batterie pour aller retirer le bonnet de Loïc pendant qu'il joue. Elle a toujours dit qu'elle le préférait sans ! ★ La chanteuse profitant de la salle éclairée pour pointer la caméra girafe, prête à filmer ceux qui ne chanteraient pas ! ★ Ses deux poings qui entrent en collision avec le piano à la fin de Vancouver ★ Vancouver ? "Elle est en si mineur, au début. Après, it's up to you" ★ Son impeccable brushing de retour des coulisses, balayé d'une main pour remonter ses cheveux et les planquer sous le chapeau du soir, qu'elle essaye sous nos yeux en cabotinant pour de faux ★ Eric Vernazobres, tel un grand reporter sur le terrain, se faufilant dans la salle pour prendre ses photos ★ Véronique qui ne veut pas "partir comme ça" et se lance dans une version totalement improvisée et a capella de Goodnight Sweetheart, assurant elle-même les basses : un régal ★ Le mystère du premier rappel très long (le temps de fumer au moins 3 cigarettes ?) et qu'elle dissipe en expliquant qu'elle ne trouvait plus son micro ! ★ Cette façon qu'elle a parfois de tressauter sur son siège, parce que ça ne va pas assez vite, parce que ça manque de mouvement ★ Et puis, ces belles images qu'on emporte avec soi : Véronique saluant debout, attrapée de toute part, cueillant les mains tendues des premiers rangs... ★ Au final, l'impression d'avoir assisté à l'écriture d'une très grande page de l'histoire du rock.

En coulisses, on croise d'abord Gilbert Coullier, qui arbore un large sourire. Du côté des loges, il y a de l'animation : ça chante et ça danse sous l'œil des caméras et des appareils photo. De quoi alimenter le dvd, côté bonus...

• Kate Bush / 2011

2011-12-10T18:42:00.029+01:00

Kate Bush

50 Words for Snow

Parenthèse anglaise dans ces chroniques des concerts de Véronique, avec le nouveau Kate Bush, 50 Words For Snow.
Kate Bush est cette artiste singulière qui depuis plus de 30 ans avance à son rythme, sans contraintes, et semble prendre un malin plaisir ces dernières années à semer en route ceux qui auraient envie d'un nouveau Running up that hill ou d'un autre Babooshka, gommant si consciencieusement son image de princesse pop anglaise qu'on ne peut maintenant plus décemment l'y associer... Comme s'il lui fallait se démarquer des "héritières" (Tori Amos, Emilie Simon...), échapper à toute comparaison avec leurs productions en allant toujours plus loin, et surtout dans une autre direction.
On se souvient bien sûr l'avoir vue sur scène, lors de son unique tournée, en mars 1979, au Théâtre des Champs-Elysées, mais c'est comme dans une autre vie...

50 Words For Snow a été écrit et enregistré rapidement – surtout si l'on considère les habitudes de la dame –, après la sortie discutable d'un autre cd, Director's cut (avril de cette année) dans lequel elle retravaillait des titres de deux de ses albums, Sensual World (1989) et The Red Shoes (1993), sur lequel figurait l'incomparable Moments of pleasure.
Intros démultipliées, piano omniprésent, nocturne... ce n'est pas un album facile d'accès. Il lui faut du temps, de l'espace, pour être apprivoisé, devenir familier. La première semaine, on renoue avec le délicieux plaisir de ces moments où l'on ne connaît pas encore bien un disque, où l'on commence à fredonner un titre pour s'apercevoir qu'on est arrivé dans un autre... Sauf que cette fois-ci, le jeu risque de durer un certain temps : subtiles et dépouillées, ce sont ici des mélodies comme inachevées, avec très peu d'arrangements. Des chansons lentes qui déambulent, prennent leur temps, longs couloirs qui conduisent vers un soudain éclat de voix ou une rare harmonie que la mélodie semble avoir cherchés en explorant toutes les ressources à sa disposition... On a parfois l'impression qu'elle chante et joue avec une mélodie en tête plus développée que celle qu'elle interprète, et dont elle a préféré laisser la colonne vertébrale.
L'écoute sera attentive, avec l'envie de suivre l'artiste dans la forêt dense de son inspiration et peut-être même de poursuivre son travail de création. Après tout, on achète un disque autant pour le plaisir de l'écouter que celui de le chanter à notre tour... Et c'est un peu comme si elle avait délivré une matière brute, avec laquelle on pourrait jouer – en toute humilité.
L'album est à savourer au calme, il recentre. Si on l'écoute dehors, en marchant, on se retrouvera vite comme en apesanteur au milieu de nos contemporains. Et d'accord avec Kate Bush : "The world is so loud"...
Aucun des titres qui composent l'album ne fait moins de 7 minutes et Misty (extrait vidéo ici), chef-d'œuvre absolu, culmine à près de 14 minutes.
L'album s'ouvre avec la voix de son fils, 13 ans (lead vocal : Albert McIntosh). Et on imagine sa mère le coachant, lui demandant de bien détacher chaque syllabe. Le résultat est impressionnant ; l'adulte qu'il deviendra aura un souvenir magnifique de sa voix d'enfant. Et lorsque sa voix à elle arrive pour les deux phrases du refrain, on réalise seulement qu'on est maintenant en présence du rare duo d'une mère avec son fils.

La chanson qui donne son titre à l'album est l'énumération de 50 mots en rapports avec la neige, parmi lesquels les notables "creaky-creaky" et "sorbetdeluge" (en un mot), doctement récités par Stephen Fry. Kate Bush les compte d'une voix sensuelle et encourage son champion "Come on man, you've got 44 to go" ! Ce qui nous donne l'occasion de ré-entendre sa voix finir les o en ooooo, comme du temps où ses chansons débordaient de chœurs...
Le duo avec Elton John ? Rien de bien commercial dans cette entreprise, pourraient se lamenter les radios que l'affiche aurait alléché : Kate Bush embarque la star dans l'histoire d'un homme et d'une femme qui se croisent dans chacune de leurs incarnations, qui s'aiment depuis toujours... Particularité : chaque phrase a un nombre de pieds plus important que ne le voudrait la mélodie et pourtant, ça passe bien. Et la voix d'Elton, profonde, plausible, s'épanouit dans une superbe note finale, "Not again".
50 Words For Snow, album aussi ambitieux que l'était The Ninth Wave auquel on pense parfois, tient tout au long de ses 7 titres son climat d'intimité, de grande sensibilité. Didier Varrod ne s'y est d'ailleurs pas trompé l'autre matin dans sa chronique sur France Inter (à réécouter ici).

NB. Les mots en vert conduisent à des liens vidéos.

• Véronique Sanson / 2011

2011-11-20T20:32:00.022+01:00

Argenteuil

15 novembre 2011

Après Le Touquet et son Palais des Congrès (sorte de grand hangar peint en blanc, avec rangées de chaises austères, sono bas de gamme et les plus petites loges du monde - mais un public en or !), voici Argenteuil et son drôle d'accueil : ici, le public n'attend pas dans le hall (à moins de pouvoir fournir une carte d'invalidité), il attend dehors, dans le froid, jusqu'au moment de l'ouverture des portes de la salle !
A l'intérieur, grand avantage, de la place entre la scène et les premiers rangs, ce qui évitera bien des "Assis !" lorsque les uns répondront à l'appel de Véronique tandis que les autres resteront sur leur siège.
"Véro !" (clap-clap-clap), "Véro !" (clap-clap-clap) : une chauffeuse de salle, auto-propulsée devant la scène, sortie on ne sait d'où, s'époumone avec plus au moins de succès...

Le fond de scène rouge, les projecteurs jaunes, les musiciens en ombres chinoises et la fameuse intro de Je me fous de tout.
Confirmation de la tenue de scène encore ce soir : adieu la veste et les boucles d'oreille des premiers concerts, bienvenue au gilet et au pantalon de cuir, "Cap au sud" : Véronique est là – et même bien là !
Soyons francs, on arrive maintenant à un point où ce show doit être filmé ! Pour ceux qui n'ont pas eu la chance de voir débarquer le gros camion rouge dans leur ville, pour ceux qui veulent revivre tranquillement chez eux ces moments vraiment magiques et aussi bien sûr parce que les dernières dates de l'année approchent...
Et puis, tout est maintenant parfaitement rôdé, et même si rien n'a jamais été scénarisé, le déroulement du concert fourmille des petites trouvailles ajoutées au fur et à mesure : des joyeux duettistes sur le côté, en parodie déjantée de Saturday Night Fever, à l'arrivée des cuivres sur Toutes les saisons ; de la présentation des musiciens (François Constantin qui soulève Véro, Dominique Bertram "ô notre chef", le couplet de Pour me comprendre pour Loïc Pontieux - ce soir remplacé par Thierry Chauvet) au sketch de fin de Bernard's song ; de la nouvelle intro de Bahia aux portables et appareils photos qui s'invitent sur scène – ce soir, c'est François Constantin qui filme les copains pendant la présentation des musiciens, avant de filer son appareil à l'un d'entre eux quand viendra son tour.
Pour autant, ici, nulle routine, plutôt l'envie d'ajouter chaque soir un petit quelque chose qui, s'il fonctionne, sera repris la prochaine fois et surtout et toujours, cette joyeuse liberté qui fait qu'ils ne pourront jamais donner deux fois le même concert !

Ce soir, de toute façon, il y a du chamboulement dans l'air puisque Véronique annonce "un bon plan", "quelqu'un qui était de passage en ville"... Et voilà le fiston, Mr Christopher Stills, guest star d'un soir, qui débarque l'air de rien et vous scotche instantanément avec sa voix qui se balade dans les graves, dans les aigus, et son jeu de guitare qui vous incite à vérifier le nombre de ses doigts – le tout avec tellement de décontraction...
Il fallait s'y attendre, c'est l'ovation. Et le deuxième titre, non répété, sera Say my last goodbye... au piano et seul – il ne chante pas dans la même tonalité que Véronique. Un régal !

Retour de Véronique et des siens, pour un concert tout en nuances et en force. Avec une chanteuse au top de sa voix, de sa forme, de son bonheur d'être là. A l'exception peut-être de Juste pour toi dans lequel elle semble revivre chaque mot, chaque scène qui ont entraîné sa composition : on la voit baisser la tête, puis la relever brusquement à se l'arracher pour jeter ses "entre toi, entre moi" à la face de celui qu'elle visualise et qui semble les mériter. Les applaudissements, comme cela a toujours été le cas, la ramèneront parmi nous. L'occasion de prendre conscience qu'elle s'absente de moins en moins sur scène, qu'elle doit y être bien finalement... pendant ces moments où les secondes tournent à l'endroit et où le ciel lui répond...
En tous les cas, s'il y avait des acheteurs de spectacles ce soir dans la salle, ils doivent à l'heure qu'il est, préparer leur carnet de commande et aider à allonger le calendrier de la tournée ! Quel show !

Visiteur et voyageur arrive bien vite avec ces petits mots énigmatiques en guise d'introduction : "Cette chanson est d'une actualité brûlante et pourtant je pourrai la chanter encore dans 25 ou 30 ans". Véronique, comme toujours, prend le temps d'aller chercher les mots qui vont traduire sa pensée au plus près, ceux qui vont faire mouche. Elle connaît parfaitement le pouvoir des mots. Sur scène et dans la vie. C'est aussi un clown : elle pourrait un jour envisager de faire un one-woman-show rien qu'avec ce dialogue qu'elle aime improviser avec le public. Ou bien enfin inspirer un metteur en scène pour un grand rôle à l'écran ?

Toujours pas de Redoutable... Saura-t-on la convaincre de l'ajouter le soir de la captation ?

Il y a du (beau) monde backstage ce soir, et sa loge fascinera par son étonnante promiscuité. : il y a là, dans une pièce d'environ 20 m2, outre Christian bien entendu, pas moins de trois des hommes de sa vie. L'un qu'on est personnellement ravi de revoir après bientôt 30 ans, qui voit le spectacle de cette tournée pour la première fois et ne cache pas son enthousiasme. Un autre, qui fut un temps son mari même si elle n'a pas voulu porter son nom (elle restera toujours Sanson). Un autre enfin, qui tourne pour le cinéma et la télé, et partira de bonne heure. Si l'on y ajoute l'évocation par Titou de son père au cours d'une conversation, et la présence de la sœur du premier grand amour de Véronique, la pièce prend des allures de drôle de vie... Et ce n'est que plus tard, en y songeant, qu'on rendra grâce au pouvoir du temps qui aura bientôt raison de nous – sans doute – mais qui fait parfois si bien son office, lissant les contours, arrondissant ce qui pouvait blesser et ainsi permettre de joyeuses cohabitations.
Véronique n'est pas fatiguée. Souriante, très belle, elle parle avec les uns, avec les autres. On lui montre un texto venu du parking qui annonce pour bientôt la perte d'un doigt pour cause de grand froid. Elle sourit, promet de sortir rapidement. Puis elle ajuste l'étoile rouge qui ferme son poncho noir, explique qu'il ne lui en reste qu'une, pin's vintage qu'elle a elle-même peint avec du vernis à ongles.
Il est grand temps de s'éclipser. Le départ pour Roubaix demain se fera de bonne heure...

• Véronique Sanson / 2011

2011-10-23T11:46:00.035+02:00

Évry
18 octobre 2011

Chic, un nouvel épisode de la tournée pas loin de Paris !
Un mardi soir, sorties de bureaux, le périph' bloqué... Une arrivée juste à temps, sur l'intro de Je me fous de tout.
Évry sous la pluie, dehors.
Évry si chaleureux, dedans.
D'emblée, d'un regard circulaire, un immense sentiment de liberté. Le service d'ordre est plutôt cool ici : on se déplace, on filme, on prend des photos comme on veut. Le public, pas muselé, est bien vivant ; il bouge, chante, enchante Véronique qui le félicitera plusieurs fois et mettra ses lunettes, demandant d'un geste à éclairer la salle, pour découvrir ces sourires d'amour qu'elle devine qu'on lui envoie.
Envie de se lever, d'aller rejoindre les fidèles autour d'elle, comme en 1978 ou en 81. De répondre à son appel. On est en quelle année au fait ?! Et pourquoi résister ? Même cette femme brune au 5e rang applaudit en rythme, debout, alors qu'elle a été élevée avec la blonde chanteuse qui est sur scène...

Pourquoi vient-on la voir encore et encore ? encore et toujours ? Sans aucun doute pour qu'elle souffle un peu de rock'n'roll dans nos vies un peu trop bien rangées. Mais aussi pour sourire dans l'ombre, en la regardant sourire en pleine lumière. Pour s'apercevoir que notre tête penche lentement de côté quand elle nous émeut. Parce qu'elle nous représente, parce qu'elle nous venge. Parce que son extraordinaire générosité fédératrice nous libère de nos tracas du jour. Un regard, un sourire, et nous voilà attachés à elle à tout jamais.
C'est confortable les gens qui ne trichent pas, ni sur scène, ni dans la vie. On est peut-être déstabilisé au début - pour notre bien - mais peu à peu, on se sent libéré de ce qui nous encombre encore dans notre relation à l'autre.

Avec Véronique, chaque concert a toujours été, est et sera toujours unique. Pour la simple raison qu'elle vit dans le présent. Uniquement dans le présent. Un concert est-il meilleur que tel autre ? Ou moins bien ? Qu'importe... Comparer n'est jamais une bonne idée.
Ce soir, il y a les nuances des derniers mots de chansons, modulés sans excès, dans le souffle. Il y a la voix claire qui ne fait pas de détour par la gorge pour se faire entendre. Des versions live qui enterrent les versions studio (Juste pour toi, Qu'on me pardonne).
Il y a les regards, il y a les sourires.
Il y a la malice, l'envie de rigoler.
La scène est large et elle y cavale d'un bout à l'autre (sans talons, c'est plus facile), sans s'attarder lorsqu'elle approche d'un objectif, toujours à la recherche d'un sourire vrai, d'une énergie de bonne qualité à échanger avec la sienne.

Et il y toujours ce son, ce bon gros son qui tourne bien, assise confortable pour sa voix. Il y a aussi les petites trouvailles supplémentaires des uns et des autres pour aller jusqu'au cd live idéal, qui donnera – c'est fatal – un bon coup de vieux à ses prédécesseurs.
Il y a cette nouvelle intro de Bahia, la fin de Sans regrets que je commence vraiment à bien apprécier et puis, ce soir, une petite "plantitude" inédite sur Amoureuse, histoire de prouver qu'un concert idéal est un concert vivant, pas un concert parfait. Et qu'il n'y a pas qu'au théâtre qu'on voit des fous rires difficiles à réprimer sur une scène.

Le temps passe très vite à Évry. Au point qu'on se demande si certains titres n'ont pas été retirés...

Plus tard, Véro sort de sa loge hilare dans les bras de Vio, telle la jeune mariée portée par son époux. "Elle n'osait pas venir, elle est un peu timide", rigole la grande sœur. Elle tend autour d'elle le magnifique bouquet de lys blancs que lui a donné "une si adorable petite fille", veut faire partager son odeur subtile. Elle évoque encore ce micro dans la salle qui lui arrive droit dans les oreillettes ! On lui parle de sa voix claire, de son allure, en ajoutant qu'on s'est vraiment demandé en quelle année on était.
– Oh dis-le moi encore une fois... !

Évry(body) loves Véro, la vidéo, c'est ici.

• Véronique Sanson / 2011

2011-03-20T18:56:00.030+01:00

Olympia, Paris
du 28 février au 4 mars 2011

S'il est une réalité pour chacun d'entre nous, la sienne est de monter sur scène. De chanter sa vie, pleurer ses peines, partager ses doutes, réveiller d'anciens tourments, rouvrir d'anciennes plaies, les refaire saigner un peu, vérifier si la douleur est toujours vive ou bien si ses mots collent maintenant à un autre tourment, plus actuel. Confronter le passé avec le présent sous nos yeux, le temps d'une chanson. Son interprétation dépendra de ce kaléidoscope d'émotions, au souffle près.

Certains soirs, une phrase ne sort plus de sa gorge, qui trouve encore un peu trop d'écho dans les pensées qui traversent son esprit. D'autres soirs, le tourment est balayé et la phrase sortira presque dans un sourire...

Louis Jouvet a dit que le théâtre était le seul art pratiqué à heure fixe. Pour la scène, et pour Véronique en particulier, c'est ce qui rendra toujours chaque soir différent du précédent.

Un concert, c'est une alchimie. Entre Véro et Véronique Sanson tout d'abord – même si elle n'a pas pris de pseudonyme, ces deux-là ne font pas toujours qu'une. Entre la salle et la scène, ensuite.

Le public est un savant pêle-mêle, un grand écart qui va des gens qui ont vu de la lumière et sont entrés à ceux qui ont rêvé devant leur billet depuis qu'ils l'ont acheté. Certains la suivent depuis des lunes, d'autres la découvrent tout juste. Certains acceptent le passage du temps, d'autres le regrettent. Certains jouent le jeu, d'autres voudraient en fixer les règles. Aux derniers, elle dit "J'ai de la peine de vous voir / Avoir de la peine pour moi aussi".

Si la jauge indique une petite baisse, si la flamme vacille d'un côté de la scène ou de l'autre, l'équilibre se refait naturellement : soit elle va puiser au plus profond de sa réserve d'énergie, va chercher la salle, sort ses sourires-killer, interpelle ("Vous êtes bizarres ce soir") ; soit, à l'inverse, la salle entière, touchée par sa fragilité, crie son nom, veut la réchauffer, la rassurer. Tout le monde a bien compris la nature de son carburant : les sourires, les gens qui bougent, les vibrations qui parviennent jusqu'à son cerveau.

Aimer quelqu'un ou quelque chose, c'est en sentir en soi l'écho, le reconnaître, et même si notre relation au spectacle vivant a changé, tout n'est pas cassé, tout n'est pas mort.

Jadis, il y a bien longtemps, un artiste se produisait des semaines d'affilée dans la même salle. C'était le temps où les distractions n'étaient pas si nombreuses et surtout pas si individualisées. Le temps d'avant les soirées passées à répondre à ses mails en retard, à partir à la recherche de vidéos, de contacts, de photos... Notre rapport à la musique aussi a changé. On l'écoute plus distraitement, un peu partout, et pas forcément dans des conditions sonores optimales. Mais c'est une autre histoire...

D'une semaine d'Olympia, remonte en vrac un bouquet d'images ★ son sonore et américain "B. de B." lancé depuis la scène lorsqu'elle a aperçu Bernard de Bosson dansant debout devant son siège ★ son "Je vais mourir un peu... et je reviens !", lancé le dernier soir avant les derniers rappels ★ Tous les titres de Christopher et en particulier son sublime Don't be afraid ★ le "yeahhh" sonore de sa mère, à gauche de la scène, le dernier soir quand il a annoncé Bethleem ★ Bruno, voisin du premier soir, évoquant un mélange de Piaf et de The Rose pour résumer la soirée ★ la surprise et le sourire d'enfant de Mehdi ouvrant les cadeaux de la chanteuse le soir de son anniversaire ★ l'étincelant sourire de Véronique posant inlassablement avec chacun des invités backstage, écoutant leurs compliments, regardant chacun droit dans les yeux ★ la mère et le fils échangeant leur Borsalino sur scène pendant Bernard's song jeudi soir ★ François Bernheim criant "Bravo Titou" à la fin de son set ★ Didier Varrod bluffé, avouant : "Après Omar m'a tuer, c'est Véro m'a tuer" ! ★ le groove entêtant des refrains d'Annecy qu'on rapporte jusque chez soi ★ et beaucoup d'autres encore...

• Véronique Sanson / 2011

2011-02-01T18:57:00.019+01:00

Théâtre de Longjumeau
29 janvier 2011

Aller la voir sur scène, encore et toujours. Parce que c'est elle. Parce que les amours d'adolescence durent toujours, que le temps n'est pas si assassin que ça. Parce qu'elle est toujours là – mais jamais où on l'attend. Une sirène qui ne nagerait pas en eaux tièdes, à l'appel irrésistible.
Le procédé reste immuable : on va vers elle et elle vous donne quelque chose. Joie d'offrir et plaisir de recevoir ! La qualité de l'échange dépend de votre réceptivité. La sienne est à l'image de sa générosité, totale.

Longjumeau, donc, première date d'une nouvelle tournée. Le champion part avec un handicap* mais le pronostic est bon : elle contre tous, elle à l'arrivée, elle sur le podium. La force est avec elle. Et les étoiles, et les anges et les fées.
Un théâtre, bien en vue sur une avenue tranquille. Le hall est plein. Entre une jolie femme qui disparaît bientôt derrière le stand des produits dérivés, le temps de troquer son top Paul Smith contre le tee-shirt officiel qu'elle vient d'acheter, siglé des 3 lunes et du mot Sanson. Ça tombe bien, c'est aussi son nom... Et le tee-shirt lui va magnifiquement.

La salle vibre. L'impatience, et le trac – qui existe aussi de ce côté-ci de la scène. "Véro", trois applaus, "Véro", trois applaus...
Un riff de guitare, bigrement efficace, et qui finira bien par être aussi fameux que celui d'On m'attend là-bas. On en rêvait, ils l'ont fait : la scène permet de remettre les pendules à l'heure puisque s'annonce ce qui aurait dû être – à mon sens – le premier single extrait de Plusieurs lunes, hymne décontracté mais lucide : Je me fous de tout.
Sous la lumière, la tornade blonde, bien campée sur ses jambes moulées de cuir noir, veste à paillette sur tee-shirt noir. On se pince. On est en quelle année déjà ? Véronique remonte le temps, échappe à la logique, a dû ressentir la pluie d'une autre planète...

Concession à l'air du temps, à l'image-reine, un fond de scène tout en animation. Bien sûr, on n'avait nul besoin de voir "les nuages rouges quand l'aube se lève", mais ils s'envolent si joliment derrière un arbre sans feuilles sur une colline hivernale... Plus tard, l'écran crachera des flammes, nous emmènera dans l'espace, fera danser des lunes et pleuvoir des roses. Les tableaux sont très réussis. Véronique soulignera tout de même qu'il lui faut s'habituer au défilement rapide de ces images lorsqu'elle se retourne brusquement vers ses musiciens : les animations ont été conçues pour être vues à une certaine distance...

Alternance de titres du crû 2010 avec ceux des années 70, 80 et 90. On a tous plusieurs vies en une. En paix avec ses contradictions, mais pas rangée des voitures pour autant, Véronique semble être arrivée à une période de synthèse. Elle affiche aujourd'hui ce que beaucoup recherchent : une certaine cohérence. Tendre un moment, puis, comme s'il lui fallait prouver qu'elle est bien vivante sous nos yeux, elle s'élance à l'autre bout de la scène, cherche du regard quelqu'un à qui transmettre son bonheur d'être là, cette étincelle qui reçue par l'autre, fera naître sur son visage le plus éclatant des sourires, donnera encore plus d'assurance à sa voix. Tendre et toujours violente. Ça s'appelle le partage, le don de soi. "Pour qui le feu que j'ai dans le corps". En quelques titres, elle a déjà fait oublier ces télés où il lui manque un public à qui s'adresser.

Les cuivres sont là et on réalise combien ils nous avaient manqué. Leur joyeuse arrivée sur Drôle de vie, leur ponctuation ici ou là et surtout l'irremplaçable chaleur donnée aux titres comme Rien que de l'eau ou Bernard's song.
On découvre aussi les gestes qui accompagnent ses mots, sa main qui louvoie sur "Une manière habile d'éviter les garçons" dans cette chanson qu'elle annonce "chanter sur scène pour la première fois". Sur Amoureuse, une variante assez rare : "Quand je sens qu'il entre dans ma vie"... Et un petit "Merci Vio !", glissé après Qu'on me pardonne.
La tracklist fut sans doute une des plus difficile à échafauder entre la volonté d'incorporer Plusieurs lunes tout en sauvant les golds (hormis Ma révérence, "v'lan, aux oubliettes" pour la première fois cette année) sans oublier quelques raretés repêchées, Le temps est assassin (magnifique version piano, claviers et Basilou pour le solo de guitare) ou Radio vipère (sans doute plus choisie pour ses textes que son intérêt mélodique). Seul petit bémol (pour moi) : cette façon de finir Sans regret en répétant le titre ad lib.

Deux titres en rappel et puis s'en vont. Cette fois, elle revient seule.
Quelqu'un crie "Bahia !".
– "Pas tout de suite. Avant, il faut que je vous affronte avec celle qui vient. Ce sera sans filet." Ne jamais aller vers la facilité. La scène comme un ring. J'aime bien cette idée de défi qu'elle se donne.
Et voilà que surgit du fond de sa mémoire une chanson oubliée qui mettra une bonne partie de la salle en larmes, y compris dans l'entourage proche de la chanteuse. Les tourments d'origine, ceux qui l'avaient poussée à l'écriture, sont apprivoisés. La voix, plus dense, plus basse, épouse parfaitement les mots, et l'on remarque à peine ce "tous les destins du hasard", nouveau-venu dans le refrain.

Vient ensuite un autre grand moment de la chanson-désarroi, qu'elle balança jadis sur quelques plateaux de télé et qui ce soir résonne aussi plus sereine, comme digérée : Redoutable et ses merveilleux ponts au piano, le premier louchant vers le blues, le second, qui a ma préférence, proche des premières versions sur scène.
Un p'tit Bahia pour la route, sans excès de voix sur les "Caresse-moi", avec un couplet repris deux fois parce que la chanson est trop courte et que le théâtre tout entier a envie de chanter. Sur ma gauche, une voix féminine chante tous les aigus de la version originale, créant un bel effet de stéréo, duo inédit. Sa sœur lui dira plus tard l'avoir entendue chanter, de la scène...

Ces derniers temps, Véronique a plusieurs fois mentionné en interview qu'elle n'était là que pour donner. Pas des paroles en l'air. Elle dit aussi qu'elle va bien, qu'elle a mis du temps "à s'aimer un peu". On la croit et en plus, ça nous fait chaud au cœur.

*Rendons à César : la métaphore est de Yann M.

• Christopher Stills / 2010

2010-11-03T13:28:00.025+01:00

Sentier des Halles
2 novembre 2010

Mises à part ses apparitions dans les concerts de Véronique, la dernière fois que j'ai vu Christopher Stills sur scène, c'était à la Maroquinerie à Paris, en 1995. Aujourd'hui plus à l'aise, plus chaleureux, il a une vraie présence sur scène. Et on se dit qu'un artiste de sa trempe, s'il est un bonheur pour ceux qui assistent à ses concerts, relève quand même du casse-tête pour une maison de disque française des années 2010 qui pense forcément en terme d'étiquette, de format. Nous ne sommes pas en Angleterre, aurait-on pu lancer un Jeff Buckley ou un Thom Yorke ?

Tout est pourtant si simple, si évident : donnez-lui de l'espace, du temps, de la liberté. Il se charge d'apporter la lumière, le charisme, son mélange de force et de grâce (on resterait des minutes entières à l'écouter sortir des sons bizarres de sa guitare comme il le fait parfois au début d'un titre). On le rêverait en leader de groupe. On veut ses chansons hors format, sa voix en apesanteur ou en colère, toute en harmonies – héritage de ses parents – modulant chaque syllabe.

« Ce soir, c'est notre premier show », prévient-il, souriant, chemise noire et jeans. Et instantanément il nous transmet son envie d'être là, son impatience à jouer, et nous celle de se laisser porter par ses vibrations, tranquilles ou électriques. Son album, Double vie ne sortira qu'au printemps : il est donc là pour nous faire découvrir ses nouveaux titres en live (Louisiana, Le masque, Elle et moi, Les mots roses, Double vie...), bien encadré par les excellents Pierre Jaconelli à la basse et Matthieu Rabaté à la batterie. On souhaiterait presque que les séances studio ne soient pas encore terminées pour que les trouvailles de ce soir nourrissent encore l'enregistrement des morceaux.

Campé sur ses deux jambes, la guitare en bandoulière, il "envoie le bois" dès les premiers titres, comme dirait un critique rock franchouillard qui ne quitte pas ses lunettes noires sur les plateaux télé. On a beau avoir une bonne idée de sa puissance vocale, on est bluffé lorsqu'il se lance, voltigeur virtuose, sous nos yeux, à deux mètres à peine. La chaleur monte vite (et pas seulement parce qu'il n'y a pas de clim' dans cette cave) parce que Christopher ne craint pas d'aller au charbon : ça chante, ça joue, ça mouille sa chemise. Et cette façon d'étendre une syllabe, un mot, de lancer sa voix à 100 à l'heure...

Dans son sang coule le meilleur de la musique des années '70, avec l'apport de la technologie d'aujourd'hui. Et les versions jouées ce soir sont déjà des versions d'anthologie. Il en est presque surpris lui-même après un titre particulièrement chaud : “C'est la première fois qu'on le joue comme ça.”

A un moment, il demande un peu plus de retour voix et, de la salle, sa mère lui lance en rigolant “T'as qu'à enlever ton chapeau !”. Et mon voisin de commenter “Ça me fait penser à son père à elle lui criant "Eteins ta cigarette" pendant les rappels à l'Olympia”. Dans un coin, près de la scène, sa tante préfère rester debout pour mieux bouger sur les titres forts. D'ailleurs, on finit bientôt tous debout. Le sacro-saint rituel des rappels est simplement supprimé : “Normalement, on devrait quitter la scène et revenir, mais comme on a commencé en retard, on va enchaîner.”

A retrouver dans cette même salle les 1er et 15 décembre prochain. Il faut voir Christopher Stills sur scène.

• Laurie Anderson / 2010

2010-03-31T15:03:00.009+02:00

Cité de la musique
30 mars 2010

D'un spectacle de Laurie Anderson, surtout un soir de pleine lune comme celui-là, on ressort toujours sous l'hypnose du timbre de sa voix. Avec l'irrésistible envie de parler comme elle tout le reste de la soirée : en marquant des pauses, en isolant un adjectif pour lui donner plus de poids (à ce propos, petit bémol propre à l'exercice, sa prestation est desservie ici par les sous-titres qui affichent souvent le mot traduit avant qu'il ne sorte de sa bouche).

Pendant que la salle se remplit, un petit canapé au devant de la scène attrape notre regard. Y est projetée l'image vidéo de cristaux en mouvements circulaires – hypnotiques là encore – alors qu'une boucle sonore évoque discrètement quelque chose d'industriel.

Le grand écran s'allume, deux autres encadrent la scène et l'on aimerait avoir des yeux sur le côté pour ne pas rater une miette des petits homemade films qui vont y défiler, feuilles mortes qui virevoltent, paysage lunaire à perte de vue, ombres diverses parfois difficiles à identifier, propices à la rêverie poétique.

Les fumigènes sentent la vanille. Elle s'avance sur scène, 63 ans, la tignasse toujours ébouriffée, la silhouette inchangée. Et surtout ce maintien, cette colonne vertébrale... Il le faut pour un spectacle qui ne laisse aucune place à l'improvisation.

Elle place son violon (au design impeccable) dans le creux de son cou et nous voilà embarqués pour un voyage d'une heure et demie. Ce sont de courts récits loufoques et graves, un peu à la manière de The Ugly One with the Jewels (1995). Il sera question en vrac du plus grand accélérateur de particules du monde, de la mort de sa mère, de ses origines irlandaises et - en français - de sa chienne qui lui est présentée dans une couverture rose alors qu'elle vient d'en accoucher...

On l'aura compris, Un délire (Delusion) n'est pas un long monologue ennuyeux. Et pour ceux qui pourraient se lasser de sa voix, un personnage masculin intervient de temps à autre lorsqu'elle utilise son fameux micro-vocoder qui ralentit la sortie de sa voix. Nouveauté - en ce qui me concerne - elle branche ce soir pour quelques jolis effets les deux micros simultanément, assurant ainsi ses propres chœurs version masculin-féminin.

Joli moment également lorsqu'une caméra la filme en direct, produisant une image qui vient s'incruster dans le film en arrière-plan, la faisant apparaître dans le noir de son ombre géante, sous une pluie graphique, comme sortie d'un clip des années 80.

Le public est attentif, silencieux. Pas un applaudissement avant son "Merci, bonne nuit".

Au total, une seule chanson, One Night of Sword, qui figurera sans doute sur son cd Homeland, annoncé pour le 15 juin prochain...

• Véronique Sanson / 2010

2010-02-24T13:23:00.024+01:00

Paris
22 février 2010

Lundi dernier, à deux pas de l'Etoile, avait lieu la projection de presse du film "Véronique Sanson, une fée sur son épaule", co-écrit par Julien Tricard (neveu de son illustre tante) et Claude Ardid (également réalisateur dudit film) pour la collection "Empreintes" sur France 5.

Malgré la contrainte - le délai extrêmement court dans lequel il a été réalisé - le résultat est une vraie réussite, film d'hiver très chaleureux, à la fois drôle et émouvant qui nous entraîne dans des lieux où on a peu vu Véronique filmée auparavant : la maison qu'elle loue à Ibiza depuis 35 ans, la "petite maison d'ouvrier de Mémé Lucas" où elle n'était pas retournée depuis l'enfance et bien sûr Triel (sous la neige - une bénédiction pour la beauté des images) où on (re)découvre "Véro en vrai" - pour reprendre le titre de la bio de son intégrale. La caméra suit Véronique au plus près, regard toujours tendre qui s'attarde sur un détail, un objet, habillage élégant et jamais purement décoratif.

Parce que "La douceur du danger" est passée par là, le film prend des libertés avec la narration et peut faire l'impasse sur les tourments passés de Véronique, déjà suffisamment médiatisés, pour nous montrer une Véronique plus sereine, apaisée (même si elle confesse, assise aux côtés de son compagnon Christian, être "violente"). On retiendra pourtant son doux sourire lorsqu'elle écoute les intervenants lui tresser de beaux lauriers (Bernard de Bosson, sa sœur Violaine, François Bernheim et Yann Morvan - tous présents dans la salle). Et surtout un vrai moment fort, face caméra à Ibiza, où Véronique parle du temps qui passe...

Et puis il y a cette "relation à l'invisible" qu'elle semble avoir développée depuis quelques temps : on la voit ici, les yeux tournés vers le ciel, invoquer sa grand-mère dans ce qui fut son jardin, la caméra - c'est-à-dire nous - restant derrière une porte vitrée qui se referme, devinant sur ses lèvres les mots qu'elle lui adresse...

Et la musique dans tout ça ? Elle est omniprésente et bien utilisée en fonction des propos du film, sans compter les extraits live filmés à Triel (avec les fidèles Dominique Bertram, Mehdi Benjelloun et Eric Filet, préalablement maquillés par Véro elle-même dans sa cuisine !) - et on restera songeur en pensant qu'une fois les caméras posées, l'équipe a eu droit à des versions live de cinq titres du prochain album (à paraître en octobre/novembre).

Pour les spécialistes, il y a quelques images d'archives à ne pas rater : de courts extraits d'une émission d'octobre 1972 jamais rediffusée, des images de "De l'autre côté de son rêve" injustement mais nécessairement coupées pour le dvd de l'intégrale et quelques superbes clichés inédits, photos de famille pour la plupart.

Après la diffusion, Véronique en anorak rose ("je suis mal habillée, je viens de la campagne") s'est assise sur la scène aux côtés de Claude Ardid, prête à répondre aux questions des journalistes. Détendue, très en forme, elle a chaleureusement remercié toute l'équipe et évoqué la difficulté de se voir sur un grand écran, "surtout lorsque l'image passe de 1972 à 40 ans après en une seconde", tandis que Claude a, quant à lui, raconté la première fois où il l'a vue sur scène (à Toulon en 1972, en première partie de Julien Clerc, "qu'elle a éclipsé")...

Pas mal de presse (ci-dessous Le Monde, Direct Soir, Gala et La Croix pour une certaine pluralité...)

Diffusion : vendredi 5 mars à 20:35.
Séance de rattrapage : dimanche 7 mars à 07:55
+ 1 semaine en ligne sur le site de France 5.

• Mathieu Rosaz et Isabelle Mayereau / 2009

2009-11-28T18:25:00.041+01:00

Archipel
24 novembre 2009

C'est un jeune homme fougueux, prêt à en découdre, qui s'est élancé vers un piano de concert noyé sous des projections de motifs graphiques, mardi dernier à l'Archipel. Curieux Archipel, boulevard de Strasbourg à Paris, où l'on projette des films dans la journée et des images – parfois animées – sur des musiciens le soir...

Double plateau (avec Isabelle Mayereau) rimant parfois avec double public, Mathieu Rosaz ne fait pas les présentations : ceux et celles qui ne le connaissent pas, il va les prendre à la hussarde. Il affiche un air déterminé, doublé d'une certaine force intérieure. La voix est assurée, peut-être un peu plus grave, et l'acoustique est excellente qui nous la restitue claire et forte. Cintré dans une longue veste de velours noir doublée de mauve, il va donner en une quinzaine de titres un bel éventail de ce qu'il sait faire.

Il faut dire que Mathieu Rosaz est un homme de scène. C'est là qu'il déploie ses ailes, qu'il respire. Et la formule piano-solo lui va à merveille.

"Je suis un fils de famille / qui ne tient pas son rang". Son répertoire d'un soir est pour moitié pioché dans son dernier album La tête haute quitte à me la faire couper !. Avec l'aplomb de qui a ôté tous ses masques, il plante son regard dans les yeux des premiers rangs. "Je mets ma robe / Mon chapeau, des plumes, des paillettes / Si ça me botte / Je parais comme j'aime apparaître". Et pourtant, on est bien au-delà d'une gentille provocation ; Mathieu affiche la force tranquille de celui qui assume toutes ses différences et peut ainsi affronter tous les regards.

“Si je te disais / On s'en va / On s'enfuit / N'importe où / Loin d'ici". On se demande parfois ce qui nous pousse à sortir, à aller s'asseoir dans l'obscurité et à fixer quelqu'un qui, lui, est dans la lumière. En ce qui concerne Mathieu Rosaz, c'est une évidence, il fait partie de ceux que la lumière appelle. Et puis il y a ses chansons qu'on fredonne, qui ont rejoint un patrimoine imaginaire, futurs classiques que trop peu de gens connaissent...

Anniversaire oblige (12 ans que Barbara s'en est allée), après un très beau Vol de nuit, il nous offre un Nantes tout en émotion, dans le respect de l'original, ni trahison, ni copie conforme. La synthèse est réussie : Mathieu sait convoquer d'illustres fantômes pour mieux les tutoyer et surtout nous rappeller qu'une chanson n'existe que si elle est interprétée sur une scène. En rappel, il sortira ainsi de l'oubli où il dormait un titre du répertoire de Cora Vaucaire, Heureusement on ne s'aimait pas, choses graves dites sur un ton léger.

“Ils font la fête sans moi / Dans la maison d'à côté". Le piano tremble sous les coups martelés. La bouche s'éloigne du micro lorsque le ton monte et Mathieu baigne son beau visage dans les lumières, s'abandonnant un instant les yeux clos.

Vient le single Pour ne plus retomber dans ses nouveaux arrangements piano-voix. Et un dernier titre surprise. Comme un homme qui brûle de vous parler d'une rencontre amoureuse, il reprend C'est bon que tu sois là, écrit par Michel Berger pour un album de France Gall, occasion pour Mathieu d'annoncer la mise en chantier d'un spectacle de reprises des chansons de Berger pour 2010.

Il quitte la scène parce qu'il le faut bien et on se dit qu'il ne sera pas simple de lui succéder. Les premières parties peuvent s'avérer dangereuses... Pourtant, Isabelle Mayereau n'a pas l'air inquiète quand, après un court entracte, elle monte à son tour sur une scène vidée du grand piano noir et où l'attend sagement sa guitare. Et elle a mille fois raison : son charme opère immédiatement et on bascule moelleusement dans son univers, sans même s'en rendre compte.

A l'inverse de Mathieu qui se laisse regarder dans une séduction passive, Isabelle Mayereau scrute chaque visage, convainc de ses regards appuyés, de son beau sourire et surtout avec cette voix si particulière. Les mots sont choisis autant pour leur sonorité que pour leur sens. Ils semblent éclore entre ses lèvres, parfaitement détachés, tranquillement chuchotés.

Il est à nouveau question de Différence : "T'as pas les mêmes yeux / T'as pas les mêmes mots / Ta vie en couvre feu / Tu la vis en solo". Guitare inventive, impeccable. Connivence avec son public. Isabelle parle beaucoup entre les chansons, évoque ses voyages avec un humour irrésistible et on pense à Laurie Anderson...

Les titres s'enchaînent, liés par une sorte de concept créé pour inclure son nouvel album Hors-pistes à son répertoire et nous emmener loin, bien loin du boulevard de Strasbourg. Et les superbes images projetées derrière elle y sont certainement pour quelque chose.

Elle s'en va sur l'intemporel Tu m'écris, dernier titre avant rappel, repris sur son dernier album. “Et le temps passe comme ça / Douceur de papier soie".

N'auront manqué ce soir-là que quelques titres chantés en duo...

• Juliette Gréco / 2009

2009-11-11T18:16:00.004+01:00

Théâtre des Champs-Elysées
10 juin 2009

Dernier des 4 spectacles parisiens de Gréco au Théâtre des Champs-Elysées. On sait tout de suite que c'est un grand soir : Josyane Savigneau arbore un très élégant haut en lamé noir et s’affiche debout entre Laurence-Marie, fille de Juliette, et Keiko Nakamura, qui a tant fait pour la carrière de Gréco au Japon. Jean-Claude Carrière est au balcon et j'aperçois au premier rang un habitué des dames en noir, que Barbara appelait Lunettes.

Le noir (couleur dominante de toute la soirée) se fait presqu’à l’heure et Juliette Gréco, 82 printemps, trottine jusqu'à son micro qu'elle ne quittera que le devoir accompli, une petite trentaine de chansons plus tard.

Au démarrage, la voix surprend. Absente, dans le souffle, caverneuse. Adieu la sensualité germanopratine, les accents félins. Depuis quelques années, la caricature s'est accentuée... mais pour devenir plus crédible, serait-on tenté de dire. En effet, jeune, Gréco avait un physique de tragédienne. Aujourd'hui, elle en a la tessiture, elle est une tragédienne. Comme à son habitude, elle surjoue les textes, accentue presque chaque mot, précède certaines phrases de grande envolées de manches de velours noir. Les mains s'ouvrent, se referment, habiles alors qu’elle les a toujours jugées « pataudes ».

Les textes, elle les débite d'un seul trait, à chaque fois sur les deux ou trois premières notes de la mélodie, nous laissant tout loisir d'écouter le reste de la composition instrumentale nue, sans texte. ça ressemble à de la provocation, à du théâtre chanté. Elle dit plus qu'elle ne chante. Ce n'est pas nouveau mais ça s'est encore accentué. Et Gérard Jouannest est passé maître dans l'art de raccourcir la mélodie là où elle comprime le texte et réussir malgré tout à placer les petites ponctuations qui vont nous remettre la mélodie originelle dans l'oreille. Son jeu est époustouflant. Du grand art.

Les gestes de Gréco sont également des repères de mémoire. Une gestuelle qui précède les mots, les appelle. Même si, depuis peu, on voit son regard couler vers le prompteur à ses pieds. Pas souvent et apparemment plus pour se rassurer que pour y chercher du secours.

De Gréco sur scène, on retiendra qu'elle n’aura pas fait de spectacles best of, pas de compilation de ses vieilles scies comme dans une spéciale de la Chance aux chansons, mais qu'elle aura toujours pris soin de mêler quelques nouveaux titres et anciens. Outre Je me souviens de tout qui ouvre le récital, suivi d’une chanson écrite par Olivia Ruiz, elle glissera ainsi un titre d’Abd Al Malik (texte difficile pour lequel le prompteur se révélera finalement utile). Mais c’est surtout les classiques que le public attend – d’autant que l’acoustique ne permet pas toujours de découvrir au mieux les nouveaux textes.

Avant Déshabillez-moi (victoire à l’applaudimètre), elle prévient, mutine, « Je sais, je ne devrais pas… ».

A la fin du Né quelque part de Maxime Le Forestier, elle ose ajouter une réponse à la question posée (pour mémoire, « Est-ce que les gens naissent / Egaux en droits /A l'endroit /Où ils naissent »), vibrante et sonore : « Non » !

Incorrigible Juliette... N’est-ce pas elle qui a toujours déclaré « Je suis une femme debout. Même couchée, je suis debout » ?!

« Il paraît que ça fait 60 ans que je chante, annonce-t-elle ingénument, avant une chanson de Marie Nimier et Thierry Illouz. Je ne m’en suis pas aperçue. Un jour, j'ai mis ma main dans la vôtre et vous ne l'avez pas lâchée. » Applaudissements.

La chanson des vieux amants nous redonnera un peu de sa voix chantée, dans les refrains.

Puis vient le redoutable J’arrive de Brel, exercice obligé et toujours périlleux, « un dialogue avec la mort », comme elle l’annonce à chaque fois. L’émotion est palpable, renforcée par les éclairages crus et changeants (sur les J’arrive). Mais Juliette n’aime pas être là où on l'attend. Elle veut être toujours ce bel animal libre, instinctif, qui lâchera ses « J’arrive » quand elle le voudra, surprenant son pianiste de mari et l’éclairagiste à chaque fois. C’est une réussite et la première standing ovation, lancée des premiers rangs par sa fille.

Elle finira par ce qui devient dans sa bouche Ne m'quitt'pas, exécuté au grand galop (la durée d’origine de la chanson sans doute réduite de deux tiers). Et ne reviendra, encadrée de son accordéoniste et de Gérard Jouannest que pour saluer, 4 ou 5 fois de suite avec ces gestes tellement symboliques et bien trouvés : soit elle fait mine de recueillir toutes ces vagues d’amour pour s’en dorloter, se berçant dans ses propres bras les yeux clos, soit elle prend d'abord l’air surpris puis nous envoie des baisers, esquissant une humble révérence dont elle se relève la dernière fois en vacillant, ce qui la fait rire et la fait se raccrocher à son mari.

Le mythe Gréco existe encore bel et bien. Très sophistiquée en interview, d’un bel éclat brut sur scène, indomptable militante et irrésistible séductrice. Qui l'aime la suive...

• Véronique Sanson / 2008

2009-11-11T18:14:00.005+01:00

Olympia
9 décembre 2008

Véronique Sanson à l'Olympia, décembre 2008. Impossible de ne pas penser à la première fois où je l'ai vue sur scène, à l'Olympia justement (mais celui d'avant) en février 1976.

32 ans, quel vertige ! Après le concert, sa loge était ouverte à tous les vents et j'avais fait la queue avec mon album Vancouver (acheté à l'entracte) sous le bras. Elle était devant sa coiffeuse, vachement belle, bronzée, une veste pailletée de toutes les couleurs. Médusé, je n'ai rien dit - juste tendu l'objet qu'elle a zébré de sa signature.

Envie de dire aujourd'hui que - même si depuis je l'ai vue pas mal de fois – avec elle sur scène, il y a (et il aura toujours) des moments magiques.

Au piano, sous nos yeux, elle est totalement transparente. Une livre ouvert. On peut y lire si elle est contente d'elle, si elle est à la peine, quand elle veut partager, quand elle veut épater, quand elle est déçue, quand elle veut séduire... Un beau spécimen... tantôt féminine, tantôt masculine. D'où sans doute la confusion des genres parmi son public...

En tous les cas, on ne la voit jamais tricher. Hier soir, il y a eu, sur Je me suis tellement manquée en particulier, des moments d'une superbe exactitude, la vraie rencontre de son émotion et de la justesse de sa voix quand elle allait la communiquer. Ce à quoi nous assistons tient autant de la musique que du théâtre, un théâtre de l'authenticité. Que fait Véronique sinon revivre sous nos yeux ses moments de création ? Lorsqu'elle chante, elle visualise une image, elle véhicule une émotion et son exigence est de nous la restituer au plus près de sa vérité. On le voit clairement. Avec le temps, et comme beaucoup de monde, elle a tendance à forcer le trait (voir le "jamais" dans Sans regrets). Au moins, le spectateur du dernier rang a une chance d'être touché lui aussi...

A ses débuts, elle restait derrière son piano, ne se levait que pour en faire le tour vite fait, un tambourin à la main... On ne l'aurait jamais imaginée debout devant la salle, nous assénant, déterminée comme hier, un magnifique Seras-tu là. Le documentaire de Didier Varrod, la parution de son intégrale ont sans douté été pour elle autant d'occasions de se regarder, de s'écouter - ce qu'elle ne faisait pas beaucoup avant. Du coup, on se rapproche de sa perfection...

Bien sûr, il y aurait à redire sur le tracklisting, sur les interventions des choristes (sur Vancouver quand Mehdi mime un violon - marrant une fois mais très vite irritant), sur le rituel de la présentation des musiciens (touchant mais pénible)...

Mais quand on aime, on prend tout, non ? et hier soir encore, je crois que j'ai tout pris, que j'ai tout pris...

• REM / 1996

2009-11-11T18:13:00.012+01:00

REM VERS DE NOUVELLES AVENTURES

publié le 11 octobre 1996 dans Le Quotidien de Paris

Après une tournée au long cours émaillée de sérieux problèmes de santé, les quatre Américains de REM sont de retour plus tôt que prévu. New Adventures in the hi fi, bel album-renaissance, témoigne tant du chemin parcouru que de leur joie simple de prouver qu'ils sont vivants.

On peu déplorer le fait que l'actualité nous oblige à parler gros sous dans une colonne Musique. Néanmoins les faits sont là : Warner triomphant annonçait il y a peu, qu'ayant surenchéri aux sirènes cousues d'or de ses concurrents, il gardait ses poulains en déboursant - il est vrai - la coquette somme de 80 millions de dollars, accordée à titre d'avance sur un contrat pour 7 albums à venir. Précédent record (Janet Jackson) battu. Rideau sur l'info financière.

L'autre actualité de REM, plus passionnante, consiste en la sortie de New Adventures in the hi fi (numéro un en Grande-Bretagne), précédé d'E-Bow the Letter, single mélancolique et linéaire.

Mi-vrai nouvel album, mi-faux live studio, ces nouvelles aventures ont vu le jour sur la route, lors de l'interminable tournée Monster. Accouchés dans l'attente des soundchecks, ajoutés au fur et à mesure sur des tracklistings variables, rodés chaque soir face à un public différent, ces nouveaux titres ne ressemblent pas pour autant à un journal de bord (Road Movie, film vidéo de la tournée, remplissant parfaitement cette fonction). Michael Stipe, tête lunaire pensante des REM, qui regarde le monde à travers ses yeux trop pâles, derrière le rideau de ses cils trop longs, en a écrit – comme à son habitude – tous les textes.

« Je n'ai jamais été amoureux »

Authentique témoin de génération, l'homme se débarrasse de ses tourments intérieurs de façon quasi impudique, décortiquant habitudes, sentiments ou rêves sans affectation, l'air de ne pas y toucher. Et la plupart du temps avec un humour vaguement cynique, ce qui pourrait nous faire regretter l'absence des textes sur la pochette. Mais on comprendra aisément qu'il n'ait pas envie de se livrer au périlleux exercice de l'explication de texte avec les journalistes de la planète. Surtout depuis qu'il a déclaré, façon gentille provoc' à un magazine anglais : « Je connais mes inclinaisons sexuelles depuis que j'ai 15 ans. Elle sont plutôt larges. Je suis un coureur qui ne fait pas de discrimination. […] Je n'ai jamais été amoureux, mais j'ai une sorte d'amour global de la vie et, avec un peu de chance, je tombe amoureux de la plupart des gens que je rencontre. »

C'est avec des titres comme Losing my religion ou Everybody Hurts que REM est passé su statut de groupe qui vend honnêtement à celui d'un des rares groupes multimillionnaires du disque. Et toute leur histoire est l'histoire de ces trois hommes curieusement acoquinés à cet éternel adolexcent fin de siècle.

Quinze ans que l'alchimie fonctionne et les récents problèmes de santé des uns sont devenus la priorité des autres, comme dans une vraie famille : outre une opération abdominale pour le bassiste et l'ablation d'une hernie pour le chanteur, la dernière tournée aura vu le batteur victime d'une rupture d'anévrisme. « Cela fait quelque chose d'approcher la mort de près, ou de voir un ami proche subir cette exepérience, admet Michael Stipe. ça remet les choses en place. Votre travail et son utilité reprennent une vraie valeur. »

« Notre meilleur album »

Remis sur pied deux mois plus tard, le batteur déborde d'une énergie communicative. Du coup, ce nouvel album rassemble l'essence de REM, cette capacité à écrire des chansons propres à séduire les fondus de MTV comme les lecteurs des Inrockuptibles, une sorte d'échantillonnage, un best of fait de nouvelles compositions.

Du piano exotico-jazz de How the West has won and how it got us à un rock quasi cacophonique (Leave) en passant par des textures plus proches d'Automatic for the People (New Test Leper), sans oublier la magie du single E-Bow the Letter, qui voit Patti Smith hanter les refrains de son timbre à la gravité si particulière (le titre faisant référence à une lettre jamais envoyée par le chanteur et à un effet de guitare que les spécialistes reconnaîtront sur le morceau).

Seul fil rouge, l'accent traînant de Michael Stipe et ses textes à la première personne du singulier. « Notre meilleur album », proclament-ils. Et on n'est pas loin de les croire…

• Dead Can Dance / 1996

2009-11-11T18:12:00.020+01:00

DEAD CAN DANCE :
LE RYTHME SOUVERAIN

publié le 26 juillet 1996 dans Le Quotidien de Paris

Heureuse parenthèse dans leur discographie classée gothique,
le nouvel album cosmopolite des Dead Can Dance, véritable dépaysement, est un hymne au rythme. Conseillé à tous ceux
qui ne quitteront pas la capitale cet été.

Sur la pochette, au premier plan, une statue de bois peinte intrigue. Dégradée dans un bleu océan, de dos, l'ombre d'un sorcier levant le bras, semble nous inviter à le suivre. Spiritchaser, nouvel album des Dead Can Dance est une excellente surprise et partir à leurs côtés à la recherche de l'esprit du rythme semble une aventure séduisante.

Tout commence par un curieux effet sonore. Comme l'aller-retour stéréophonique d'un boomerang déchirant le silence d'une nuit australienne étoilée. Puis, dans la moiteur environnante, la lente échappée des percussions, doublée par la voix puissante de Lisa Gerrard, moitié lyrique des Dead Can Dance, nous entraîne vers l'Afrique. Afrique centrale, Afrique du sud. Le rythme va s'amplifier jusqu'à marteler l'espace, portant la mélodie à bout de bras, y puisant sa force, sa liberté. Gloire au rythme ! Au rythme souverain. Et au cœur qui bat.

Au faîte d'une carrière qui prouve combien il serait hasardeux d'imaginer la musique délimitée par des fontières, le duo à l'âme cosmopolite affiche une belle maturité. En neuf albums, son parcours ressemble à une multitude de drapeaux multicolores flottant sous la même bannière – les Dead Can Dance ayant toujours réussi à sauvegarder leur identité.

Originaires de Nouvelle-Zélande et d'Australie, Brendan Perry et Lisa Gerrard se sont rencontrés à Londres en 1981. Signés sur le légendaire label 4AD (pochettes arty, productions hors normes), on leur a très tôt collé une étiquette gothique (sur la foi, il est vrai, de la ferveur quasi-liturgique et des transes enfiévrées de la chanteuse, apparaissant sur scène dès les premiers concerts drapée dans une robe blanche). De spiritualité exacerbée en dépouillement monacal, de chants italiens du XIVe siècle en chants traditionnels catalans, l'écoute des opus de Dead Can Dance captive l'oreille autant que l'âme. Depuis 1993, le duo, qui collecte de par le monde des instruments de tous horizons et de tous âges, enregistre dan une église, en Irlande.

Récemment, on avait pu envisager l'angoissante éventualité d'un divorce musical, le dernier album (Toward the Within, indispensable live) jouant un peu trop l'alternance des vocalises éthérées de l'une avec les ballades guitare-voix de l'autre. C'était compter sans le miracle qui récompense parfois les couples qui s'octroient une liberté individuelle délimitée dans le temps : après avoir réalisé chacun un album solo (même si celui de Brendan Perry n'est jamais parvenu jusqu'aux bacs des disquaires), ils célèbrent aujourd'hui d'éclatantes retrouvailles.

En fait, ce nouvel album représente un tournant dans leur façon de travailler, plus que jamais placée sous le signe de l'harmonie. Ayant maintenant assouvi son impérieux besoin de prouver au monde la qualité et l'étendue de son talent vocal (proprement impressionnant), Lisa Gerrard semble ici jouer d'une certaine retenue. Au bénéfice du disque dans sa globalité.

A L'instar d'une Yma Sumac, légendaire princesse des Andes qui, dans les années 50, n'avait pas son pareil pour vous imiter le cri du zorzal les soirs de pleine lune, les Dead Can Dance expérimentent même l'« animisme » ou l'art de moduler sa voix à la manière de nos amis à plumes et à poils. Avec talent.

Le résultat, chanté en anglais, pidgin-français, mais également dans des langues non répertoriées, trouve un juste équilibre entre incitation au mouvement et à la méditation. Certains morceaux, au rythme ralenti, bercent doucement l'oreille et flatte l'imaginaire. Quasi anachroniques, les guitares - surprenantes de prime abord - ne manqueront pas de séduire dès la seconde écoute.

Spiritchaser, plus mature que ses prédécesseurs, aime prendre son temps (les titres sont plus longs qu'à l'accoutumée), s'arrêter pour écouter battre son rythme (notamment sur Indus où l'on croit voir les octaves, tels les volutes de fumée d'un cône d'encens, s'élever dans les airs) et se clôt sur une lente et somptueuse berceuse.

L'écoute d'une seule traite, suggérée par le fait que les morceaux se fondent les uns dans les autres, est vivement conseillée.

Mesure, équilibre, harmonie. On se prend à rêver d'une planète à l'image de l'univers des Dead Can Dance...

• Barry Adamson / 1996

2009-11-11T18:12:00.018+01:00

publié le 23 août 1996 dans Le Quotidien de Paris

A priori le genre d'objet à réduire à néant l'hypothétique envie de l'écouter : un nom, Barry Adamson, qui, même s'il sonne familier à l'oreille, n'évoque rien de particulier (le bonhomme est bassiste d'origine et c'est son troisième album) ; une pochette d'une noirceur d'encre (dont le crédit nous apprend qu'il s'agit du cliché d'un film de Philippe Garrel, au secours !) et enfin ce titre, Œdipus Schmœdipus (le dernier mot, d'origine germano-américano-juive, étant une variante péjorative du précédent) qui intrigue et prête vaguement à sourire.

En fait, une fois débarrassé de son encombrant alibi de concept-album, Œdipus Schmœdipus se révèle furieusement éclectique : gospel/pop (avec un premier invité de marque, Jarvis Cocker, leader de Pulp), piano-bar, jazz (reprise de Miles Davis) et surtout, il foisonne d'instrumentaux bande-son idéale d'un cinéma américain millésimé milieu des années 70. Meilleur exemple : The Big Bamboozle, plein de panache avec son intro tout en cuivres rugissants et ses arrangements impeccables, à faire passer Goldfinger pour le petit frère de Jeux interdits.

Mais on y trouve aussi pêle-mêle une sombre histoire de prince charmant contée par une joile voix féminine, Nick Cave, Billy McKenzie (et son timbre de velours pour un des plus beaux morceaux de l'album), un sample d'un vieux EP de Françoise Hardy…

Mon conseil : sortez pinceaux et gouache pour peindre à même le carton du digipack une végétation luxuriante sous un ciel très bleu, avec une superbe James Bond girl sortant de l'eau en bikini blanc. Et surtout montez le volume !

A découvrir dare-dare en attendant la B.O. qu'il compose actuellement pour le prochain David Lynch.

• Nina Hagen / 1996

2009-11-11T18:10:00.008+01:00

HEUREUX QUI COMME NINA…

publié le 5 juillet 1996 dans Le Quotidien de Paris

Bee Happy, nouveau credo de Nina Hagen ou le retour discret de l'ex-enfant terrible du rock européen. Instantanés d'une carrière chaotique avant concert parisien le 12 juillet.

Increvable, intenable, inclassable, toujours affable, Nina Hagen repointe le bout de son museau. Après bientôt deux décennies d'une improbable carrière en dents de scie, l'auto-proclamée « Mother of Punk » s'en vient défendre son nouveau CD, Bee Happy (sans faute de frappe mais avec jeu de mot), dans notre beau pays. Rappel de quelques dates et hauts faits de la dame.

Sur fond de scandale (Nina joignant le geste à la parole pour donner une leçon de sexualité aux jeunes filles solitaires lors d'un talkshow allemand), l'entrée en scène avait de quoi séduire : un premier album à la production carrée, d'une bargitude échevelée, révélant un joli bin de jeune fille, incontrôlable, rebelle pour de vrai et surtout dotée de l'organe le plus puissant de l'histoire du rock au féminin. De vociférations tonitruantes en gloussements de gallinacée, une voix d'opéra dans la tête d'une walkyrie désinhibée.

La mise sur orbite ne tarda pas. propulsée par African Reggae (1979) et quelques déclarations explosives, le transfuge de l'Allemagne de l'Est allait parcourir l'Europe, le chaos comme étendard, semant le doute, l'effroi et le rire. Reine de l'auto-dérision, le cheveu rose fluo et un godemichet attaché à sa ceinture pointant sous sa cape noire, elle donnait à l'Olympia en 1980 un concert gravé dans la mémoire des survivants.

« Quand je commence à chanter, je ne pense plus, je reçois ». Consciente d'être considérée comme assez peu saine d'esprit par l'ensemble des médias, Nina en rajoute une couche en prénommant sa fille Cosma Shiva (on l'entend gazouiller dans une chanson au titre éponyme) et profite de cette période faste pour établir son personnage de diva rock échappée du cirque mais respectée pour ses octaves.

Jamais avare de grimaces, outrageusement maquillée, emperruquée sans grâce, elle apparaît dans des clips à la mise en scène bricolée, aux effets spéciaux à 2,50 F, d'un mauvais goût à faire passer les premiers films de John Waters pour des documentaires produits par Arte.

La rencontre avec le disco donna naissance à un album qui peut encore s'écouter aujourd'hui, Angstlos (ou sa version anglaise Fearless) sur lequel figurent, soutenus par le rythme binaire de Georgio Moroder et Keith Forsey (maîtres du genre à l'époque), l'un des premiers raps (co-écrit par son boyfriend d'alors, Anthony Kiedis, leader des Red Hot Chili Peppers) et le célèbre New York/NY (rien à voir avec Sinatra). Elle s'y fend également d'un hommage à Zarah Leander, légendaire star allemande d'adoption à la voix grave et sensuelle.

On la retrouve quelque temps plus tard pseudo-marié le temps d'un Punk Wedding avec un jeune Iroquois. Puis soutenant Gobatchev (Michaïl, Michaïl) ou reprenant Mahalia Jackson (Hold me).

Plus sereine

Sur tous les fronts (duo d'anthologie avec sa consœur Lene Lovitch contre la vivisection, interviews truffés de propos humanistes), Nina se découvre bientôt un maître spirituel (Babdji) et impose une image d'elle-même plus sereine. Après les Etats-Unis et Ibiza, elle choisit de s'installer à Paris avec un mannequin de chez Gaultier, Franck Chevalier (« I'm in love with Maurice Chevalier ! ») dont elle aura un fils, sobrement baptisé Otis.

Sort alors Revolution Ballroom, à la production impeccable (due pour certains titres à Dave Stewart, moitié d'Eurythmics), occasion pour Nina de vider son sac (« Tellement nul / Les mensonges sur le VIH / Tellement nul / L'énergie atomique mal utilisée / Tellement nul / Helmut Kohl » dans So bad).

Aujourd'hui rangée des voitures, survivant à ses multiples errances comme à autant de destinées (donnant l'impression de plusieurs vies en une), Nina Hagen vit à Los Angeles, dans la villa où vécut Janis Joplin, avec un nouveau compagnon. Suite à sa rencontre avec Dee Dee Ramone (des Ramones, de sinistre mémoire), elle a repris le chemin des studios pour un album dont la version allemande, parue il y a quelques mois, offrait l'avantage d'un emballage de première classe : des portraits hologrammes de la chanteuse teutonne plantés dans une couverture argentée. Bee Happy, qui sort aujourd'hui en France avec une pochette plus commune en est la traduction anglaise, augmentée d'un inédit Shiva.

Bien sûr, on regrettera les octaves d'antan, tout comme la production rutilante et soignée du dernier album. Il est question ici d'un retour aux sources punks (prise de son brute, arrangements inexistants) et les textes, scandés sans effort, trahissent une évidente paresse.

Malgré tout, Nina Hagen garde aisément notre tendresse et on ne se fera pas prier pour la voir éructer une nouvelle fois sur la scène du Palace le 12 juillet prochain, tonitruante. Dans l'attente de nouvelles aventures…

• Everything But The Girl / 1996

2009-11-11T18:08:00.016+01:00

UNE VOIX SOUL ET DES MACHINES

publié le 24 mai 1996 dans Le Quotidien de Paris

L’après Missing (hit planétaire) ou le retour du duo pop avec chanteuse à voix : Walking Wounded confirme l’option dance
avec textes mélancoliques. Et surtout avec talent.

Une jeune femme devant un large miroir, le sourire fané, qui chante comme à elle-même And I miss you / Like the deserts miss the rain. Son compagnon amaigri déambulant dans un corridor avant de s’asseoir négligemment sur son lit pour jouer de la guitare. En fond, un beat d’une redoutable efficacité. Images multidiffusées, impeccables et dérangeantes. Missing, qui a fait le tour des discothèques de la planète, a imposé Everything But The Girl à la surprise générale, y compris celle des intéressés. Au point qu’on a pu croire qu’il s’agissait là du premier titre d’un groupe prometteur. En fait, après plus de dix ans de carrière, le découragement les guettait. De l’impact du remix réussi…

Ben Watt et Tracey Thorn se connaissent pratiquement depuis toujours. En 1984, leur premier album (le magnifique Eden) leur apporte leur premier hit, Each and Everyone. Suivront encore cinq albums - qui, réédités en CD, sortiraient tamponnés d’un sticker « déconseillé les jours de pluie » – avant Amplified Heart (1994) qui contient la version originale de Missing.

Echo à nos modernes solitudes

Dans les années 80, la scène dance était plutôt comique : souvenez-vous de ces créatures ivres d’elles-mêmes se trémoussant sans grâce dans un fracas de quicaillerie bon marché. Le disco ou le mauvais goût affiché. Signe des temps, la mélancolie, avec des sons feutrés et des voix plus nuancées, gagne aujourd’hui le dance floor, écho à nos modernes solitudes. Massive Attack, Portishead, Tricky ou même Björk en sont de dignes représentants. Les visages et les attitudes aussi ont changé. Au point qu’on pourrait croire la fonction sourire déprogrammée chez notre duo. S’ils avancent blessés (Walking wounded), ils ne sont pas masqués. Ben parle de la maladie sans la nommer, virus en forme d’épée de Damoclès, la traite même de façon paradoxalement humoristique dans un livre non traduit en France, Patient.

Aujourd’hui, avec la sortie mondiale de Walking wounded, la différence entre l’avant et l’après Missing saute forcément aux oreilles. Question de tempo. La voix soul de Tracey Thorn danse sur des « graffitis musicaux », sur des machines. La rencontre d’EBTG avac la scène dance aurait pu n’êre qu’un feu de paille, mais la mariée était trop belle et, avec ce disque, le duo officialise l’union. Y figure un parfait jumeau de Missing, Wrong, second single dont le remix offert en fin d’album hantera vos nuits d’été.

Por EBTG, la transition s’est faite tout naturellement ; grâce à quelques collaborations, en particulier celle avec Massive Attack en 94 à qui Tracey Thorn a prêté son timbre si particulier pour trois titres (dont le splendide Protection, émouvant chef-d’œuvre du genre). Puis, plutôt que d’abandonner leurs textes et partitions aux mains d’individus coupables d’ingents remixes à l’abattage, ils confient à Todd Terry le soin de remixer Missing. Les reste appartient à l’histoire…

« I could have loved you for ever / Or I could have left you for ever ». Comme sortis d’un programe informatique en binaire, les textes, assemblages de mots simples, cultivent l’art de l’ambiguité. A l’instar de leur image. Amis, amants, frère et sœur. Les combinaisons semblent toutes valables. A l’exception de Walking wounded, premier single co-écrit avec Spring Heel Jack et accompagné d’un très beau clip en noir et blanc, tous les morceaux de cet album sont signés par le duo. Signalons Single, qui utilise un sample du sublime Song To The Siren de Tim Buckley et Flipside (rythme lourd et lent, voix vocodée), réalisé en collaboration avec Howie B.

« Nous voulions faire un album qui puisse aussi bien s’écouter en boite que chez soi », indique Tracey Thorn. A l’arrivée, l’ensemble, jamais morne, caresse gentiment le creux de l’oreille. bien sûr, on se prend à espérer un jour une improbable reprise de Shirley Bassey pour pouvoir apprécier pleinement l’organe de Tracey…Peut-être lors d’une prochaine collaboration.

• Mark Eitzel / 1996

2009-11-11T18:08:00.015+01:00

MARK EITZEL EN SOLITAIRE

publié le 16 mai 1996 dans Le Quotidien de Paris

Conteur sensible, le chanteur américain Mark Eitzel se penche sur ses souvenirs amoureux. 60 Watt Silver Lining, son premier slbum solo, est une collection de chroniques qui sait charmer l’oreille.
A découvrir.

Bien sûr, on pourrait énumérer une liste riche de flatteuses références, faire jaillir des myriades de superlatifs comme autant de lieux communs, d’alibis pour prévenir une éventuelle interprétation hors-sujet. Il y a peut-être mieux à faire. Extraire l’objet de tout contexte. L’isoler pour le mettre sous la lumière, comme pour le magnifier.

A titre tout à fait exceptionnel donc, faisons table rase du passé de Mark Eitzel (dix années au sein de l’American Music Club : en France, qui s’en souvient ?) pour ne nous attacher qu’au présent. Néo-virginité. « Mon départ du groupe a bouleversé ma conseption des choses. maintenant, tout est possible. » 60 Watt Silver Lining ou le disque d’un homme solitaire, sans artifice, débarassé de références.

Visuellement, l’objet est sobre. En couverture, un cliché signé Mark Eitzel lui-même, traité façon sépia, celui d’un bateau en pleine mer obliqué de façon optimiste. Le ton est donné : l’homme va prendre la mer, se jeter à l’eau. Rarement le mot solo n’aura trouvé un tel écho que dans cette aventure (intérieure). Mark Eitzel est un homme profondément seul. Depuis les bars de San Francisco où il passe bon nombre de ses soirées, il se penche sur ses souvenirs amoureux, regarde évoluer ses contemporains ; on l’imagine griffonnant quelques note sur un carnet, un demi-sourire aux lèvres. L’héroïsme est ici de ne jamais céder à la complaisance et d’appeler la solitude ou le désespoir par leur prénom.

Invitation à l’indolence

60 Watt Silver Lining est un album avec états d’âme, vite apprivoisé. A peine échappé des enceintes, et grâce à une production transparente comme l’eau claire, il tourne dans votre intérieur, cherche ses repères, caresse les objets familiers, envahit peu à peu l’espace. « Un cœur vide est une maison vide / remplie de vieux fantômes ».

S’il oscille entre une vraie gravité aux accents néo-jazzy façon Billie Holiday et une certaine légèreté apparente, l’ensemble est souvent nuancé par un sens de l’humour et du détail.

Homme plein de précaution, Mark Eitzel introduit chaque titre de quelques notes sur le livret, entre anecdote et désir enfantin (« Je veux que Barbra Streisand en fasse une reprise. Vraiment ! », écrit-il à propos de Saved, par ailleurs hommage à Burt Bacharach).

Mission Rock-Resort a été écrit pour une amie qui, à peine sortie de l’hôpital où elle faisait soigner ses lésions laissées par des injections, replonge dans la drogue.

When My Plane Finally Goes Down s’étire langoureusement sur fond de crépitement de feux de bois, la voix désincarnée évoquant la plainte ; la plupart du temps, libre, elle flotte comme en apesanteur, choisissant une syllabe ou un mot entier pour l’étirer, puis le relâcher, anamorphosé. Elle s’emporte peu.
Il faut saluer la trompette de Mark Isham, crépusculaire, le piano et les percussions, très présents ; Mark Eitzel sait cultiver l’art du pont, comme pour leur rendre hommage.

Peu avant la fin du voyage, Southend on Sea, anachronisme bienvenu, ferait un hit single tout à fait crédible et nous place devant une évidence : même si ce bateau semble bizarrement construit (une reprise pour ouvrir l’abum), il ne sombrera pas. L’énergie qui en émerge est malgré tout positive. Une invitation à l’indolence, idéale en fin de journée, à écouter seul ou bien accompagné.

Dernière étape, Everything is Beautiful est un titre somnambule écrit pour l’adaptation à l’écran d’un livre de Peter Handke (qui n’a pas encore vu le jour faute de moyens) après lequel le silence s’impose.

• The Divine Comedy / 1996

2009-11-11T18:06:00.005+01:00

LE DIVIN COMÉDIEN
JOUE LES CASANOVA

publié le 19 avril 1996 dans Le Quotidien de Paris

Retour sous les projecteurs de Divine Comedy avec un album de printemps. Costumé en Casanova, le jeune Irlandais plein de panache a mis en musique les meilleures pages de son journal de séducteur. Ce qui ne devrait pas manquer d'asseoir une popularité déjà importante en France.

Curieux personnage que ce Neil Hannon, autoproclamé The Divine Comedy : auteur-compositeur-interprète au teint pâle, peigné comme un enfant sage. Fraîchement tombé du nid, à première vue. En vérité – et pour résumer – un bouillonnant ego et son univers d’ingéniosités nourri par quelques références classiques et chapeauté d’un sypathique sens de la dérision.

Esthète perfectionniste (mais jamais précieux), incurable romantique (mais jamais mièvre), le divin comédien s’est imposé en France dès 1992, sans clips, CD 2 titres, ni remixes dance. Deux copieux albums, Liberation et Promenade (sur la pochette duquel il pose fièrement devant la pyramide du Louvre) auront suffi à lui accorder les faveurs d’un public d’âge tendre fréquentant la fac de lettres. En concert, où la moindre de ses facéties fait mouche, on peut voir des jeunes filles se pousser du coude en riant. Tout cela avec un charme délicieux ; comme si le grunge et le rap ne s’étaient jamais abattus sur la planète pop.

« Des conneries ! L’art est mort ! »

S’inscrivant dans la plus pure tradition du récital d’antan, il était à Paris début mars pour présenter les nouvelles chansons qui composent « Casanova », son troisième album, dans les bacs ces jours-ci. Occasion de surprendre une foule exemplaire de discipline (à peine un sifflet après une bonne heure de retard) : l’homme, qui avait à cœur de rendre à un art jugé mineur ses lettres de noblesse, allait esquisser sous nos yeux hagards un spectaculaire pas en arrière, louchant effrontément du côté de la scène brit-pop. Plus de cordes ni de piano. En lieu et place, une formation rock basique (claviers, batterie, basse, guitare), flanquée d’un Hammond qui ira jusqu’à susciter un certain agacement chez le petit maître, demandant lors des présentations qu’on l’aplaudisse « quand même ».

Malgré tout, les anciens titres revisités rock sont convaincants, rythmés par un batteur de haut niveau. Mais Neil, engoncé dans son costume cravate plutôt neutre, ressemble assez peu à l’idée qu’on se ferait d’un Casanova moderne. Feignant l’innocence, il est pourtant habile à charmer le beau sexe, lâchant, l’air de ne pas y toucher, de petites réflexions franchement humoristiques ou vaguement provocatrices (comme sa réaction au Cercle de Minuit où, espiègle, il glissait : « Des conneries ! L’art est mort ! » avant d’attaquer Tonight we fly). Pour ceux et celles qui l’auraient raté, session de rattrapage à Paris à la Cigale le 10 juin.

L’album s’ouvre sur des gloussements de jeunes filles, rougissantes devant le grand méchant séducteur leur proposant la botte sans vergogne aucune. La mélodie démarre en trombe, joyeuse. Très vite, le ton est donné : adieu queues de pie et violoncelles, passez vos colliers de fleurs et rendez-vous sur le pont pour une croisière de rêve. Brillant architecte, Divine Comedy a toujours su charpenter ses œuvres : quelques mots échangés faisant office d’ouverture, coupés par une mélodie propre à entraîner les chansons comme autant de wagons affolés sur un grand huit, et une clôture en bonne et due forme : cette fois-ci, empruntant la voix d’un présentateur ringard, Joby (un des musiciens) désannonce l’album avant d’inroduire le Theme from Casanova, une franckpourcellererie qui ferait passer le générique des Feux de l’amour pour les Concertos Brandebourgeois.

Néanmoins, ne nous y trompons pas. Ici, pas de deuxième degré façon easy listening, cette énième pseudo-nouvelle vague que certains médias paresseux tentent mollement de nous imposer. Bien que prétendant au titre de ce qu’on appelait dans les années 80 the next big thing, Divine Comedy n’entend pas ratisser aussi large. D’où une autodestruction systématique dès que la mélodie se fait trop emmiellée et qu’on pourrait imaginer Neil arborant un sourire niais dans un clip façon Pierre et Gilles. Ce sont les moments que l’on préférera, ceux où la mélodie s’emballe sans crier gare, le temps d’un pont, empêchant une éventuelle lassitude. Jusqu’à « Charge » dans lequel la démesure l’emporte pour de bon et où il déverse enfin la violence difficilement contenue jusque-là (gravant pour la première fois ses aigus, découverts live sur la reprise du Wuthering Heights de Kate Bush).

S’inscrivant dans la plus pure tradition du récital d’antan, il était à Paris début mars pour présenter les nouvelles chansons qui composent « Casanova », son troisième album, dans les bacs ces jours-ci. Occasion de surprendre une foule exemplaire de discipline (à peine un sifflet après une bonne heure de retard) : l’homme, qui avait à cœur de rendre à un art jugé mineur ses lettres de noblesse, allait esquisser sous nos yeux hagards un spectaculaire pas en arrière, louchant effrontément du côté de la scène brit-pop. Plus de cordes ni de piano. En lieu et place, une formation rock basique (claviers, batterie, basse, guitare), flanquée d’un Hammond qui ira jusqu’à susciter un certain agacement chez le petit maître, demandant lors des présentations qu’on l’aplaudisse « quand même ».

Malgré tout, les anciens titres revisités rock sont convaincants, rythmés par un batteur de haut niveau. Mais Neil, engoncé dans son costume cravate plutôt neutre, ressemble assez peu à l’idée qu’on se ferait d’un Casanova moderne. Feignant l’innocence, il est pourtant habile à charmer le beau sexe, lâchant, l’air de ne pas y toucher, de petites réflexions franchement humoristiques ou vaguement provocatrices (comme sa réaction au Cercle de Minuit où, espiègle, il glissait : « Des conneries ! L’art est mort ! » avant d’attaquer Tonight we fly). Pour ceux et celles qui l’auraient raté, session de rattrapage à Paris à la Cigale le 10 juin.

« Je veux rendre les gens heureux »

Si les abums précédents ont pu paraître quelque peu indigestes (l’impression d’avaler, tout droit sortis du mixer, une crème forcément anglaise, un coulis de framboise, de la glace à la vanille, une sauce chocolat et un peu de crème de marrons), la production de Casanova joue la carte de la légèreté inventive. Neil a bénéficié de somptueux crédits (grâce à son collègue Edwyn Collins et son tube A girl like you) et a pu, tel un gosse émerveillé, s’en donner à cœur joie (effets spéciaux en tout genre).

Ultime pirouette : Neil ôte le masque du fameux séducteur et va pour le dernier titre retrouver ses rêves de grandeur : Dogs and horses, hommage appuyé et sincère à un Scott Walker millésimé fin des années 60. « Avec ce titre, j’ai eu pour la première fois à ma disposition un véritable orchestre. C’était un rêve devenu réalité. Dans ma cabine d’enregistrement, je me disais : ça y est, je suis Scott Walker ! ».

Bien sûr, sinon la voix, l’intention est bel et bien là, et c’est en vain qu’on chercherait d’évidentes preuves de plagiat. Bel effort.

« J’écris des chansons joyeuses de quatre minutes avec des refrains et des couplets et je veux rendre les gens heureux » : souhait exaucé. Après plusieurs écoutes, on s’aperçoit que ces mélodies sont agréables à fredonner, à même d’accompagner notre vie quotidienne. Que demander de plus ?

• Nick Cave / 1996

2009-11-11T18:05:00.004+01:00

publié le 30 mars 1996 dans Le Quotidien de Paris

Where the wild roses grow, improbable duo avec Kylie Minogue en était le single avant-coureur, le ténébreux rocker australien et sa voix d’outre-tombe sont de retour. Retrouvailles lugubres mais jamais mornes, Murder Ballads recentre Nick Cave sur ses obsessions poétiques : les rapports violence/innocence, la mort fatale et sa noire beauté, l‘œil cinéphile qui fait d’un assassin un héros (« Quand je l’ai tué, j’étais tellement beau / A cause de la lumière, à cause de l’angle » dans O’Mallye’s Bar). La voix lente et presque sentencieuse récite plus qu’elle ne chante des textes écrits dans un style purement traditionnel ; seuls deux titres font déjà partie du patrimoine, mais les compositions de Cave ne devraient pas tarder à les rejoindre. Les orchestrations sont dignes, les touches du piano martelées avec application.

Ces Ballades du Meurtre exhalent un parfum presque vénéneux et l’on s’enfonce voluptueusement dans ces chemins peu fréquentables. On y croise un jeune homme, une pierre à la main, penché sur une Ophélie endormie dans les eaux, déclarant en l’embrassant pour la dernière fois que « toute beauté doit mourir ». Ou la pauvre Mary Bellows qui s’est refusée à un étranger et a été retrouvée le lendemain, menottée à son lit, une balle dans la tête et une serviette hygiénique dans la bouche. Pauvre Mary Bellows.

Mais le « plus » du disque reste incontestablement les invitées : surprenante Kylie Minogue, parachutée dans cet univers un rien moins glamour que celui dans lequel elle évolue d’habitude (imaginez Bashung invitant une jeune Sheila pour une sombre ritournelle) et qui, superbement mise en lumière dans un clip ad hoc, parvient à susciter quelque intérêt. Autre guest star, PJ Harvey, déjà moins « pièce rapportée », jouant agréablement de son timbre quasi atone sur Henry Lee, le second single. Et on retrouve au final tout ce beau monde, rejoint par Shane Mac Gowan, sur Death is not the end, judicieuse reprise de Dylan. Recommandé !

• Marc Almond / 1995

2009-11-11T18:03:00.003+01:00

La chronique fielleuse
Marc Almond - Fantastic Star

publiée en 1995 dans Absolu

Qu'est-il arrivé à Marc Almond ? En apparence, un phénomène assez banal ; à l'aube de la quarantaine, plus soucieux de son image de pop star que de sa crédibilité rock (perdue corps et bien à travers un parcours discographique embrassant trop de genres), il court toujours plus vite après le mirage de l'éternelle jeunesse. A première vue déjà, physiquement, il semble ne plus avoir aucune pièce d'origine…

Mais c'est surtout à l'écoute de ce Fantastic Star que blesse le bât. S'immergeant les yeux clos dans le rock glitter comme dans quelque elixir de jouvence, Marc Almond tente vainement de nous intéresser à son fatras de clichés sous le brillant toc de mélodies indigentes (servies il est vrai par une production digne de ce nom).

De fait, les textes, d'une navrante puérilité, trahissent une immaturité perturbante. Qu'on en juge : « Tu dis que je t'appartiens / Tu dis que je suis ton jouet » (Marc, tu n'es le jouet de personne – sinon de ta libido désaxée !). Et plus loin, « Enfant sauvage de la nuit londonienne […] / Tu es une terre inconnue, inexplorée par l'homme […] / Il est temps de se faire adorer et explorer / Alors viens te faire adorer et explorer » (Et un seau d'eau froide pour Marc Almond, un !)

Bien sûr, la tête en vacances, le corps peut y trouver son compte : tout ceci est très dance et chacun sait qu'il n'y a pas que des bacs + 5 à se trémousser le soir venu… Quand même, les quatre singles déjà extraits e cet album ayant connu outre-Manche un cuisant échec – et ce, en dépit de bons clips ciblés MTV (en particulier Adored and explored dans lequel on le voit se travestir en Bowie-Ziggy, Cure et autres Marc Bolan) – il serait grand temps de raisonner l'ex-Soft Cell : Marc, laisse tomber tes fantasmes de midinette, la nostalgie n'est plus ce qu'elle était. Ne pars plus à la recherche d'un temps définitivement perdu !

D'autant que la voix, toujours aussi souple, nous rend, à notre tour, nostalgiques de ses meilleurs albums, Mother Fist (1986) et The Stars We Are (1988, sur lequel figure un duo méconnu avec la gothique Nico). A sauver tout de même de ce naufrage, Come in Sweet Assassin (tout un programme) et Child Star, jolie ballade comme échappée d'un album sixties.

• Scott Walker / 1993

2009-11-11T17:59:00.014+01:00

RÊVERIES D’UN PROMENEUR

publiée en juillet 1996 dans Live Music

Référence incontournable dans les CV de Marc Almond, Nick Cave ou Bowie au chapitre « voix influences », Scott Walker, le crooner ténébreux, est de retour avec la chanson générique de Toxic Affair, comédie française starring Isabelle Adjani. Parcours d'un homme (trop) discret.

Scott Walker ou l'éloge d'une voix. The Voice. Reflet d'une belle assurance mâle (des graves chauds et profonds) teintée de doutes, d'innocence, voire de pureté. Un organe au timbre suave, rompu à la technique des crooners, coupable de pâmoison auprès de milliers d'adolescentes dans les années 60. Evoquez Love Her, The Sun ain't gonna shine anymore ou Make it easy on yourself et regardez votre mère soupirer !

Voyage dans le temps. En 1965, Scott Walker forme les Walker Brothers avec John Maus et Gary Leeds. Une poignée de tubes, des tournées hystériques, une popularité menaçante pour les Beatles, le tout résumé par Scott en ces termes : « le plus grand groupe d'ivrognes »…

Deux ans plus tard, le groupe se dissout et Scott s'évapore. On ne le retrouvera jamais plus aussi accessible. Tournant le dos aux feux de sa jeune gloire, le géant américain (il mesure près de 2 mètres) se replie sur lui-même, lit beaucoup (Sartre, Camus) et développe une fixation sur Ingmar Bergman. En un mot, il part à la recherche de lui-même et sera bientôt en mesure de nourrir ses textes et mélodies d'expériences personnelles – jusque-là, le répertoire des Walker Brothers se cantonnait à des compositions (excellentes) apportées sur un plateau par la crème des auteurs de pop songs de l'époque.

Autre révélation : Brel, dont il va glisser des adaptations dans chacun de ses quatre premiers albums solo, reprises qui comptent parmi les plus appréciées par les puristes et qui, compilées, ont fait l'objet d'une réédition CD : Scott Walker sings Brel (tout comme chacun des albums solo sobrement baptisées Scott 1, 2, 3 et 4).

Ces enregistrements constituent les éléments majeurs de l'œuvre flamboyante d'une jeune homme ténébreux qui parle d'amour, de sexe et des solitude ; lentes introductions tourmentées, nuages de cordes somptueusement orchestrées et mélodies de voix inventives font de chaque écoute une expérience inoubliable.

Nouveau silence, brisé en 1984 avec Climate of the Hunter, magnifique anti-album dont la mévente lui vaudra la rupture de son contrat avec Virgin.

Entre temps, les faux frères Walker se reformeront le temps d'un hit (No Regrets, en 1975) suivi d'un album (Nite Flights, dont le titre éponyme figure brillamment repris, sur le Black Tie White Noise de Bowie). Les hommages et reprises ne manqueront pas, mais l'énumération serait trop longue ; il faut pourtant citer Julian Cope, à l'origine d'une compilation en 1981 et Marc Almond d'une autre en 1990 (Boychild, entrée en matière idéale pour néophyte à convaincre).

Depuis 1984, l'homme – un modèle de discrétion – est difficile à débusquer. Diverses collaborations (Eno, Lanois) sont évoquées, un album est même annoncé... lorsque, soudain, arrive la surprise de (petite) taille : un CD deux titres, fruit d'une improbable rencontre avec Goran Bregovic (auteur inspiré des BO du Temps des gitans et d'Arizona Dream).

Man from Reno et Indecent Sacrifice (tous deux extraits de la BO de Toxic Affair, comédie qui marque le retour à l'écran d'Isabelle Adjani sur fond d'échec commercial) nous restituent l'inimitable voix, calme mais sans une ride (Scott aura 50 ans l'an prochain), servie par une orchestration simple et pleine de charme. Le crooner a signé les textes. Et l'on se prend à rêver que ce petit objet soit le signe avant-coureur d'un véritable come-back…

• Melinda Miel / 1993

2009-11-11T17:57:00.032+01:00

publié le 12 mars 1993 dans Live Music

Autoproclamée torch singer, se réclamant de Libby Holman comme de Juliette Gréco, Melinda Miel, jeune Anglaise de 23 printemps, sort peu à peu de l'anonymat. Forte d'une détermination qui lui fait refuser toute forme de compromis. Présentation d'une séduisante
« inclassable ».

Dans la tradition des féminines hors normes, après Kate Bush, Elisabeth Fraser (sirène des Cocteau Twins) ou Diamanda Galas, la terre anglaise nous envoie aujourd'hui une curieuse créature : Melinda Miel.

Protégée de Marc Almond

Tout commence au Medway College of Art où elle fait la connaissance de Paul Buck, poète de son état (et auteur d'un roman culte, Les tueurs de la lune de miel, précisément). Séduit, il présente Melinda à son ami Marc Almond (pour lequel il a magnifiquement traduit les textes de Brel et Bataille, ainsi que des chansons de Barbara, Ferré et Gréco — traductions qui demeurent curieusement inédites à ce jour).

A son tour, Marc tombe sous le charme (un vrai conte de fées…), écrit une chanson pour la belle, l'accompagne en studio, allant même jusqu'à faire des voix sur un titre (Shivers in red).

Paul, pas en reste, signe tous les autres textes de l'album. Quant aux mélodies, elles sont l'œuvre de Steve Rowlands (parfois accompagné par Melinda), jeune clavier recruté par une petite annonce dans le Melody Maker.

L'album The Law of the Dream est bientôt prêt. Textes alambiqués et pleins d'humour, atmosphère musicale mi-classique, mi-contemporaine, entre la BO d'un film sombre et l'écho d'une tradition qui remonte aux fameuses torch songs des années 30, chansons réalistes ou tristesse, amour, mort et décadence se mêlent dans une même émotion.

Et bien sûr, la voix. Intense, riche en octaves, véritable corne d'abondance de vibratos, fiévreuse dans son goût de la passion extrême.

Nouvel égérie des boys anglais

Distribué par un label allemand, l'album bénéficie d'un étonnant bouche à oreille, soutenu par les apparitions régulières de Melinda sur scène dans de petites salles londoniennes (dont le Troubadour qui vit débuter Bob Dylan comme Tori Amos) ou des endroits alternatifs tels que le Torture Garden ou le Skin Two Party, hauts lieux de scène gay SM fétichiste. « Je n'ai rien fait pour séduire un public SM ou fétichiste. C'est arrivé parce que certaines de mes chansons ont ce genre de connotations. De même pour le nombre d'homosexuels dans mes concerts. C'est en rapport avec mon image, qui est très camp. Ils sont été attirés par ce côté très émotionnel, très intense et délicat. »

Sous les projecteurs, le charme de Melinda prend tout son éclat. Réincarnation des stars hollywoodiennes des années 30-40, elle scrute le public d'un regard dans lequel brille peu d'innocence, avant de le plonger dans un univers quasi baroque où sa voix, plus assurée que sur le disque, distille un bienfaisant poison. On est d'abord intrigué par ce décalage (le timbre semble trop mature pour cette peau laiteuse, ses boucles rousses et cette jeunesse affichée), puis on rit, on pleure (ou presque), on est ému (toujours).

De sous sa robe, elle tire un couteau attaché contre sa cuisse pour Madness and Gin, déguste sensuellement du raisin sur Perverted et boit du gin à grandes gorgées après chaque chanson. Le jeu de séduction fonctionne, pas d'échappatoire.

Récemment invitée en Autriche et en Allemagne, la jeune torch singer ne devrait pas tarder à nous visiter.

Laissez-vous séduire…

• Les Communards / Kate Bush / 1985

2009-11-11T17:57:00.031+01:00

Chroniques non parues / 1985

Body Politic (premier nom des Communards) à Paris

Nous autres, au pays de la baguette de pain et du camembert, côté nouveautés rock, on est rarement en avance : à nous les vagues échos des tournées triomphales à l'étranger et les imports hors de prix (les pressages français n'étant disponibles que des mois plus tard), aux autres les previews, exclusivités et consort.
Pour une fois, nous avons fait la nique à bien des gens en accueillant en première mondiale Body Politic, nouveau groupe de Jimmy Somerville (fraîchement splité de Bronski Beat) acoquiné d'un jeune homme plutôt disgracieux (mais pianiste émérite), Richard Coles.
La scène se passait dans ce qu'on appelle pudiquement un « espace au masculin » (dixit le carton d'invitation) et qui n'est autre - oh surprise - qu'une nouvelle boite homo (modèle avoué : le gay tea-dance du dimanche après-midi).

Manifestement chez lui, jimmy, sobrement vêtu d'un polo bleu piqué d'une étiole rouge sur un pantalon clair, le cheveu peroxydé bien peigné, a tout d'abord interprété des reprises camp, très je-veux-être-Judy-Garland-à-la-place-de-Judy-Garland (Sentimental Journey et Summertime), nous foudroyant sans difficulté apparente de ses aigus parfaits et assassins.
Le reste du récital (une dizaine de titres au total) comportait deux morceaux disco dans la lignée Bronski et les deux titres qui composeront leur premier single, à paraître en septembre : Dolorosa, complainte d'inspiration ibérique et You are my World (en unique rappel), très belle love song dont Jimmy a repris le dernier refrain en français (« Tou é mon mondeu »).
Ce mini-concert organisé en dehors des maisons de disques mérite une belle publicité… mais chut ! Jimmy ayant quitté Bronski Beat parce que, enfermé dans un infernal circuit de promo non stop, il ne pouvait se livrer à ses activités militantes politiques comme il le souhaitait et regrettait son anonymat, pas un mot de plus...

Kate Bush – Running up that Hill (maxi 45 T / EMI)

Alors que Madonna s'agitait frénétiquement en tête des charts dans un fracas de quincaillerie bon marché, Kate Bush préparait dans l'ombre son comeback, confortablement installée dans le studio qu'elle a fait aménager chez elle.
Aujourd'hui, sûre d'elle, la main gantée de peau, Kate décoche une première flèche, Running up that Hill, qui la révèle plus que jamais engagée sur les périlleux chemins du perfectionnisme, courageuse et déterminée, entrant directement dans les dix premières places des charts, où elle figure encore.
« If I only could, I'd make a deal with God »… Voix de sirène sur rythmique charge de cavalerie, Running up that Hill sonne le retour en force du plus délicieux minois britannique. Tendez votre poitrine côté gauche que la flèche ne rate pas son but !
NB. Pourquoi le pressage français un mois après l'anglais ?

• Rita Mitsouko + divers / 1985

2009-11-11T17:53:00.008+01:00

MERCI BAILA !

publié en juillet 1985 dans Rock Non Stop

Le « plus » des Rita Mitsouko, c'est incontournablement la chanteuse. Complètement « chiée de la tête », entre l'épouvantail et l'attraction de foire, Catherine Ringer, look Madame Mim cheap et potentiel vocal énorme (en plus, elle peut prendre tous les accents !) est incontestablement le force du duo. C'est son intérêt pour la danseuse Marcia Moretto qui lui a fait écrire ce texte, qui tient plus des propos d'une aliénée que des compositions habituelles (pour notre plus grand bonheur) : « Et même toi / Qui est forte comme une fusée », « C'est elle / La sauterelle / La sirène en mal d'amour » (Marcia Baila).

Le couple sait aussi faire preuve d'un lyrisme débridé. Ainsi en témoigne cet extrait de Jalousie : « Elle est ailleurs / Avec sa conne de mère / Qui croit / Qu'elle est encore à elle / Celle-la, un de ces jours je l'enculerai ».

Musicalement, le groupe donne dans l'éclectisme bariolé, patchwork fou d'influences, de sons et de voix qui n'auraient jamais dû se croiser. Fred vient d'un groupe néo-punkisant (Flash rouge) et les égéries de Catherine s'appellent Oum Khalsoum, Siouxsie ou Nina Hagen. Ajoutons à cela que M. et Mme Mitsouko ont l'ouïe convenablement développée et que chaque son enregistré dans la journée (du marteau-piqueur en bas jusqu'au Welcome to the Pleasure Dome qui passe à la radio) peut ressurgir à tout instant, au détour d'un sillon de l'album.

Le résultat est donc à leur image : inattendu, anti-homogène, insolite, furieux et international.

Rita Mitsouko sur scène à Reims : ambiance torride et accueil plutôt chaleureux lorsque la formation débarque sur scène. Catherine, ignorant une fois pour toute la nuance, arbore une superbe robe jaune canari avec des fleurs violettes (qu'elle a du voler à sa concierge) sous une petite veste bleue du meilleur goût, son énorme masse de cheveux (elle n'a pas sa natte) écrasée sous une casquette de skaï noir (avec lanière sous le cou), maquillée à l'emporte-pièce. Elle ne bronche pas sous les quolibets de mon voisin : « Boudin ! », puis « Mongolienne ! ».

Les titres s'enchaîneront très vite, le groupe assurant bien derrière elle, un peu brouillon, un peu speed, mais mettant toujours en valeur la voix de Catherine, d'une grande puissance et finalement insuffisamment exploitée sur l'album.

A la fin du show, toutes lumières allumées, c'est le tollé général et Rita Mitsouko reviendra pour deux rappels, dont le superbe Oum Khalsoum.

Pour le moment, ils ne semblent pas encore « récupérés » ; leur passé musical et théâtral avant-gardiste (Catherine a joué dans une comédie musicale rock de Marc O et a participé à diverses entreprises de théâtre musical) transparaît encore dans leurs prestations. Le fait de vendre des disques ne leur est apparemment pas encore monté à la tête. Leur look et attitude de scène ressemblent toujours davantage à des négligences qu'à des détails prémédités. Et c'est plutôt bien ainsi.

Même Mitterrand a, paraît-il, beaucoup ri en les entendant à un cocktail-spectacle organisé par Autrement !

Chroniques Maxi-45 tours dans le même numéro

FINE YOUNG CANNIBALS / Johnny Come Home

Fraîchement catapultés au devant de la scène jazzy-new-wave anglaise, les Fine Young Cannibals étaient à Paris mi-septembre pour relancer la promo de Johnny Come Home, titre accrocheur et efficace à profil de hit (beat à la Bronski, trompette bouchée et voix black), passé inaperçu à sa sortie en France.
Les cannibales anglais sont trois : Andy Cox (guitariste au jeu de jambes étonnant) et David Steel, tous deux issus du split de The Beat (remember le ska ?), plus un chanteur, grand escogriffe black, Roland Gift, découvert sur la scène d'un revue bar londonien où il officiait comme… strip-teaser.
leurs influences musicales ? Elles sont résolument datées (Billy Holiday, Otis Reading). Les FYC déclarent ne pas écouter ce qui se fait aujourd'hui mais se refusent à dénigrer qui que ce soit (« La vie est trop courte pour dépense de l'énergie à dire du mal des autres »). Gentil, non ?
C'est à la suite de leur passage à The Tube, show télé anglais, qu'ils ont décroché leur contrat chez London Records et enregistré Johnny, expédiant le tournage de leur vidéo en deux heures.
Contactés pour participer à un défilé de mode pour Comme Des Garçons, ils réservent leur réponse, travaillant actuellement d'arrache-pied sur un album qu'ils veulent riche, « permettant une écoute longue durée ». Sortie annoncée pour décembre, précédée d'un second maxi mi-octobre.

BRONSKI BEAT with MARC ALMOND / I feel love

Rubrique gay rock maintenant avec ce duo historique en tête des charts anglais depuis début mai : Marc Almond et Jimmy Sommerville, invertis notoires, reprenant le mégahit de Donna Summer, celle la même qui refroidit l'an dernier son public homosexuel avec deux-trois lieux communs assassins et bien sentis.
Le seul intérêt de cette version est de nous présenter le mariage de deux voix profondément opposées : l'une, répétitive, de tête, contre l'autre, puissante, chaude (ah ces soupirs !) et imaginative.
Ont-ils voulu se venger ?
NB. également disponible sous la forme d'un 25 cm limited edition (un Cake Mix en face A, un Fruit Mix en face B).

NNA HAGEN / Universal Radio

Tous aux abris ! La grosse Germaine est de retour ! Hurlante, le cheveu rose fluo violent, un globe terrestre pressé contre les deux siens, elle tonitrue « I'm driving in my car / And I'm talking to myself ». Rythme électrofunk et habituels croassements du 3e type, production brillante (signée par un associé de Trevor Horn). C'est un hit, indiscutablement !